O Espaço das Artes

É tudo uma questão de gosto...

2010-07-10T15:17:00.002-03:00

Moda.

Algo definitivamente essencial.

É ela quem diz como você deve se vestir, porém não é autoritária, mas flexível.

Vê-se pelos diferentes estilos soltos por aí.

Moda é a arte de tornar visíveis idéias e sentimentos.

Os grandes estilistas são de fato magos.

Interessante é perceber que alguns tem um "Q" de magia que acaba se tornando marca registrada de suas obras, fazendo com que estas sejam reconhecidas num rápido olhar, mesmo anos após sua morte.

Temos a oportunidade de conhecer não a glória e fama, mas o começo de um dos maiores nomes da moda. Uma mulher, uma 'Princesa Isabel' da moda, unica e adorada por muitos até hoje.

Coco Chanel

O filme mostra a vida de Chanel antes de se tornar o maior nome na moda (na minha opinião e de muitos outros).
Os primeiros minutos do filme mostram um par de olhos infantis contemplando o céu. Pode parecer vazio, mas o cinema francês tem a capacidade de captar detalhes - como dois escuros e ávidos observadores olhos infantis - e torna-los mágicos.
Aquele olhar prevalece durante todo o filme e dá um vislumbre da personalidade de sua dona.
Chanel não era fria, apenas reservada, introspectiva; pensava rápido, muito rápido, tinha sempre uma boa resposta na ponta da língua para qualquer um.
Incrível é notar ao decorrer do filme que Chanel objetava por uma vida de fama, mas não pretendia chegar lá por meio de linha e agulha. Muito pelo contrário. Apesar de 'levar jeito pra coisa', ela queria o glamour dos palcos.

Audrey é definitivamente uma excelente atriz e Anne uma excelente diretora, parece que as duas se deram muito bem trabalhando juntas. Audrey deu um ar de mistério e uma postura condizentes com a personagem do começo ao fim. Já Anne teve toda a delicadeza e a maestria de captar cada detalhe que - apesar de em algumas cenas, parecer desnecessário - acabava por se tornar indispensável. A fotografia não foi tão explorada,

mas usada de tal forma que enriquecia e destacava o necessário; nem mais, nem menos. Audrey teve em sua companhia o senhor Benoít interpretando Balsan, exímio homem odioso porém amável; ator de talento impecável. Incrível como eles se completavam em cena.

Um filme que DEVE ser assistido em silêncio com toda a atenção que merece. Para todas as idades; para todos os gostos.

título original:Coco Avant Chanel
gênero:Drama
duração:01 hs 45 min
ano de lançamento:2009
distribuidora:Warner Bros.
direção: Anne Fontaine
roteiro:Camille Fontaine e Anne Fontaine, baseado em livro de Edmonde Charles-Roux
produção:Caroline Benjo, Philippe Carcassone e Carole Scotta
música:Alexandre Desplat
fotografia:Christophe Beaucarne
figurino:Catherine Leterrier
edição:Luc Barnier
atores: Audrey Tautou , Benoît Poelvoorde , Alessandro Nivola , Marie Gillain , Emanuelle Devos

Sinopse:Quando criança Gabrielle (Audrey Tautou) é deixada, junto com a irmã Adrienne (Marie Gillain), em um orfanato. Ao crescer ela divide seu tempo como cantora de cabaré e costureira, fazendo bainha nos fundos da alfaiataria de uma pequena cidade. Até que ela recebe o apoio de Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), que passa a ser seu protetor. Recusando-se a ser a esposa de alguém, até mesmo de seu amado Arthur Capel (Alessandro Nivola), ela revoluciona a moda ao passar a se vestir costumeiramente com as roupas de homem, abolindo os espartilhos e adereços exagerados típicos da época.

site oficial: http://www.cocoantesdechanel.com.br/

O LUGAR MAIS FELIZ DA TERRA

2010-07-07T08:08:00.000-03:00

Em Orlando, nos EUA, está um parque que é sonho de muita gente. Não falamos da Disney World, mas sim do parque Universal Studios Hollywood. Este é, na verdade, o estúdio da Universal que também trás muitas atrações para os visitantes.

A mais nova atração do parque Universal Studios Hollywood é o do gorila mais famoso do cinema, King Kong. O espetáculo "King Kong 360 3D" abriu suas portas ao público no dia 1º de julho e faz parte do tradicional percurso turístico pelos cenários de gravação dos estúdios Universal de Hollywood.

"O genial da atração de King Kong é que não se parece com nada que tenha sido experimentado antes, não pode ser descrito porque aguça todos os sentidos, é movimento, é cheiro, é visão, é som, é tudo", disse Jackson, diretor do filme "King Kong" (2005), em uma gravação projetada em 3D no ato de inauguração.

"É a primeira vez que você está dentro de uma história em 3D, é intenso, é paralisante", comentou o presidente da Universal Studios Hollywood, Larry Kurzweil.

O espetáculo acontece em um recinto fechado e escuro onde entra o bonde com os turistas, que ouvem de Peter Jackson o pedido em vídeo para que ponham os óculos especiais para desfrutar do 3D. O veículo fica estacionado entre duas imensas telas curvas de mais de 12 m nas quais aparecem vários tiranossauros de 10 m de altura que tentam atacar os turistas.

Um King Kong de mais de 7 m chega para salvar os visitantes e enfrenta os répteis pré-históricos em uma batalha que dura cerca de dois minutos. Com o objetivo de dar maior realismo à ação, os bondes são sacudidos, atingidos por golpes de ar e molhados ligeiramente, tudo acompanhado pelos rugidos das ferozes animais.

"Nunca tive uma experiência assim com King Kong, eu pensava que estava me movimentando, mas quando saí estava no mesmo lugar. É 3D e tudo está passando a seu redor, sinto o coração palpitando", disse a locutora de rádio Raquel Córdova.

"King Kong 360 3-D" teve um custo de US$ 100 milhões. Os gerentes do Universal Studios Hollywood seguirão investindo na ampliação de suas instalações em 13,5 mil m² onde localizarão, entre outras coisas, uma montanha-russa dedicada aos personagens de "Transformers" (2007).

Abaixo, você conhece mais algumas atrações baseadas em sucessos do cinema.

Exterminador do Futuro

Trata-se de um filme em 3D, incluindo bonecos animatrônicos, atores e efeitos especiais impressionantes que conduzem os visitantes para dentro de uma seqüência do famoso filme de James Cameron.

Pica-Pau

É uma pequena montanha-russa para crianças.

Homens de Preto

Em "Men in Black Alien Attack" os visitantes de Universal Studios são convidados a fazerem parte de uma aventura interativa na qual deverão exterminar alienígenas. O Agent J (Will Smith) convida o visitante a recrutar-se no MIB, sendo que durante a sua missão você será conduzido por um veículo altamente sofisticado equipado com pistolas lasers que deverá utilizar para acertar terroristas intergaláticos que pretendem dominar o nosso planeta.

SIMPSONS

The Simpsons Ride é um simulador inaugurado em 2008. A estória da atração baseia-se numa visita dos Simpsons ao parque Krustyland. Logo durante o pré-show da atração - nota-se tratar-se de um parque muito mal elaborado de propriedade do famoso Krusty - o palhaço. O veículo/simulador conduz o visitante ao longo das mais variadas e emocionantes situações.

TUBARÃO

Outra atração clássica da Universal Orlando baseada no filme "Tubarão" de Steven Spielberg onde os do parque são convidados a subirem a bordo de um bote que irá conduzí-los a um passeio pelas águas aonde se esconde o personagem principal da atração. Durante os 05 (cinco) minutos deste passeio o visitante irá levar vários sustos, pois nunca se sabe de onde o tubarão pode aparecer. Os efeitos especiais utilizados são sensacionais, inúmeras explosões, tiros e principalmente muito suspense.

Os Irmãos do Blues

Trata-se de um show apresentado por atores/músicos que interpretam os personagens Jack e Elwood do filme "The Blues Brothers". Durante o show você ouvirá muito blues - os atores cantam e tocam saxofone - e algumas coreografias. Os atores também interagem com o público.

TWISTER

Atração baseada no filme de mesmo nome. Twister é uma atração impressionante que leva os visitantes para dentro do filme de mesmo nome estrelado por Bill Paxton e Helen Hunt. O pré-show da atração é um espetáculo a parte, enquanto você aguarda assiste a vários videos sobre furacões, posteriormente ingressará em uma área muito bem decorada que se assemelha a uma moradia antiga e finalmente será conduzido até um teatro onde experimentará os terríveis efeitos causados por um furacão. Como não poderia deixar de ser você verá um tornado formando-se dentro do teatro na frente dos seus olhos. A atração é muito bem elaborada.

SHREK

Shrek 4-D é uma atração que mistura um filme de animação em 3D com efeitos especiais espetaculares que transportam os visitantes para dentro de um aventura com todos os personagens de Shrek.

ABRAÃO NO EGITO

2010-07-06T09:14:00.001-03:00

Abaixo tem as ilustrações com lego contando um relato bastante interessante da Bíblia. Foi quando o Faraó tentou tomar para si a esposa de Abraão, Sara. Ele chegou a dar muitos presentes para Abraão. O relato diz que por causa disso o Faraó foi castigado com varias pragas e decidiu mandar embora Abraão e sua esposa.

O ANO DO SONIC

2010-07-05T09:16:00.001-03:00

Podemos dizer que 1994 foi o ano do Sonic. Pelo menos, foi o ano em que o personagem foi mais explorado pela Sega. Teve desde jogos em que a função do Sonic era simplesmente ser uma bola de pinball (Sonic Spinball, 1993) até jogos em que o personagem aposta corrida de kart (Sonic Drif, 1994).

O primeiro pra valer no ano de 94 saiu no finzinho de fevereiro: Sonic the Hedgehog 3. A inovação deste jogo era a tão sonhada bateria para salvar jogos. Também os personagens ganharam um novo visual, as fases vieram em estilo diferentes, as músicas também ganharam um novo estilo, enfim, foi um game muito marcante para os fãs do Sonic. Além disso, o game ganhava mais desafios, pois todas as fases possuem chefes, mas Robotnik você só enfrenta no fase 3. Tinha ainda o Special Stages, que agora era uma espécie de túnel 3D e o Bônus Stage, fase de bônus, na qual é possível pegar mais itens. E finalmente temos o modo 2 Players de volta, mas dessa vez são corridas para bater os tempos em fases especiais.

Já em 18 de outubro de 1994, foi lançado mundialmente o jogo Sonic & Knuckles. O jogo superou todas as expectativas dos fãs, pois estreava uma nova tecnologia, batizada de Lock-on. Este novo cartucho tinha uma abertura em cima, na qual podíamos conectar os dois Sonic anteriores. Abaixo, você confere essa nova aventura do Sonic. Quase toda a história acontece em Sonic the Hedgehog 3. Apnas o final acontece em Sonic & Knuckles (pois, tratando-se de história, Sonic & Knuckles representa apenas uma brve continuação ao Sonic the Hedgehog 3)

Após a última vitória de Sonic, o Ovo da Morte caíra dentro de uma pequena ilha. Essa ilha era a Floating Island (Ilha Flutuante), uma ilha que flutua no ar, onde está a Master Emerald. A Master Emerald é a mais poderosa de todas as esmeraldas, pois ela tem o poder de manter a Ilha Flutuante flutuando no céu.

Antigamente nesta misteriosa ilha vivia uma antiga civilização: a dos Echidnas. Porém essa civilização desapareceu e somente sobrou Knuckles, um echidna vermelho. Por essa razão ele é o guardião da Master Emerald. Sonic e Tails usando seu avião chegam até a ilha, sabendo que Robotnik foi parar nela. Robotnik mente para Knuckles que o Sonic e o Tails querem roubar as esmeraldas para terem mais poder. Knuckles acredita nisso e por isso dá um golpe certeiro em Sonic (que estava em forma de Super Sonic), separando as Chaos Emerald.

Knuckles conhece muito bem a ilha, e por isso esconde as esmeraldas pela ilha. Além disso, ele sabe de todos os caminhos para poder deter Sonic. Enquanto isso Robotnik tenta pegar as esmeraldas para reconstruir a sua máquina, além do mais, ele tenta principalmente pegar a Master Emerald, para manter o Ovo da Morte de volta ao ar. Temendo o Sonic, ele cria uma base, Launch Base, na qual ele detém o Sonic temporariamente.

Após Knuckles atrapalhar Sonic várias vezes, o ouriço consegue recuperar as suas esmeraldas, virar Super de novo e derrotar Robotnik temporariamente na sua base: Launch Base. Nessa base estava acoplado o Ovo da Morte refeito. Mas, a Master Emerald ainda não estava totalmente salva. Ela ainda estava escondida, e tanto Robotnik quanto Sonic poderiam achá-la!

Quando Robotnik é derrotado, a base se desprende e entra em colapso. Enquanto isso, o Ovo da Morte novamente entra em chamas e cai dentro de um vulcão (Lava Reef). Sonic e Tails acabam caindo numa floresta cheia de cogumelos: a Mushroom Hill.

Nesta misteriosa floresta está localizado um portal que liga ao Palácio Secreto (Hidden Palace). É em Hidden Palace que a Master Emerald se localiza. Quando o Knuckles dá mole, e acaba saindo, o Sonic entra dentro do portal.

Nesse portal estava a Master Emerald! Mas Sonic ainda não tinha condições de salvá-la, pois esta estava inativa. Mas misteriosamente a Master Emerald, fez com que as Chaos Emerald fossem transformadas em novas esmeraldas mais poderosas, as Super Emerald.

Quando isso ocorre, Sonic precisou novamente coletar as esmeraldas, mas conseguiu bem a tempo. Quando ele coletou as sete Super Emerald, Sonic pôde virar Hyper Sonic, mais forte ainda do que o Super Sonic. Ao pegar as sete Super Emeralds, o Sonic consegue ativar a Master Emerald, porém não consegue recuperá-la, pois não pode voltar mais ao tal local através de portais, apenas localizando o local.

O Sonic chega então ao Hidden Palace. Lá, ocorre uma briga com o Knuckles. Após esta briga Knuckles percebe que Sonic não é mau e passa a ajudá-lo contra quem ele achava que era bom: Dr Robotnik! Mas, o Robotnik ainda acaba fazendo o golpe de misericórdia! Ele acaba roubando definitivamente a Master Emerald, e Knuckles e nem Sonic conseguem impedir. Isso faz Robotnik reativar o Ovo da Morte, e agora começa a verdadeira aventura de Sonic!

Sonic chega até o Ovo da Morte (que está totalmente refeito, muito mais perigoso). Sonic enfrenta Robotnik novamente em mais uma emocionante batalha. Robotnik usa a Master Emerald contra Sonic, mas mesmo assim Sonic derrota o cientista.

Agora, a batalha prosseguia no céu! Era o dia do Juízo Final (Doomsday). Uma super e emocionante batalha aérea, Sonic e Robotnik em seu robô com a Master Emerald. Enquanto isso Tails não estava mais com Sonic, havia ficado na ilha.

Mas Hyper Sonic é muito poderoso, e consegue deter Robotnik! Ele recupera a Master Emerald. Mais uma vez Sonic vence, e ele vaga pelo espaço novamente, e Tails ressurge com o seu avião!

Tails pega Sonic e os dois levam a Master Emerald, rumo à ilha flutuante (que por estar sem ela, estava no mar), e a recolocam no lugar, Knuckles observa. Os dois vão embora, em mais uma missão de sucesso. A ilha volta a flutuar e, assim, tudo volta ao normal!

SUCESSO INTELIGENTE

2010-07-04T09:26:00.000-03:00

Conhecido por sua versatilidade e competência no cinema, TV e teatro, o diretor alemão Mike Nichols construiu uma carreira consolidada com obras recheadas de assuntos relevantes. Pelo conjunto de seus projetos, Nichols recebeu o 38º American Film Institute Achievement Award, um dos mais importantes prêmios cinematográficos dos EUA.

Em mais de 50 anos de carreira, Mike Nichols fez sucesso primeiro como comediante e depois como diretor no teatro e no cinema. Dirigiu poucos filmes, mas de gêneros diversos: comédias singelas ou alegóricas, dramas sociais, tragédias pessoais, romances realistas ou viscerais. Levou para as telas textos de diversos autores, por vezes antagônicos. Em comum, o estilo do diretor: maduro, sem deixar de ser moderno; contundente, sem perder a elegância.

Michael Igor Peschkowsky nasceu em Berlim, em 6 de novembro de 1931,filho de judeus intelectuais. A casa era um lugar de discussão de idéias, um motivo a mais para que a família fugisse da Alemanha pouco antes da Segunda Guerra Mundial. OS Peschkowsky chegaram aos Estados Unidos em 1939. O pai de Mike morreu quatro anos depois. Obrigado a trabalhar desde cedo, o futuro diretor batalhou para conseguir bolsas de estudos, que o levaram à Universidade de Chicago.

Logo nos primeiros anos de vida acadêmica, Mike se desencantou com a universidade e foi viver sua verdadeira paixão, o teatro. Mudou-se para Nova York para estudar com Lee Strasberg e depois voltou para Chicago para se unir a um grupo de atores chamado Compass Players. No grupo, trabalhou com Alan Arkin, Barbara Harris, Roger Bowen, Paul Sills e Edward Asner.

A parceria mais importante, porém, se deu com Elaine May, com quem Mike criou uma dupla famosa entre 1956 e 1961. Juntos, May e Nichols mudaram o panorama da comédia nos Estados Unidos, apresentando-se por todo o país - no palco, no rádio e na TV.

Em 1963, Nichols optou pela direção no teatro e estreou com a peça de Neil Simon Descalços no Parque (Barefoot in the Park). O sucesso foi tão grande que a peça ficou em cartaz até 1967, totalizando 1 530 apresentações. A direção desse e de outros espetáculos bem-sucedidos lhe abriu as portas do cinema.

A estréia veio com a adaptação para as telas de uma peça teatral: Quem tem Medo de Virginia Woolf? (Who’s Afraid of Virginia Woolf?, 1966). O filme teve nada menos do que 13 indicações ao Oscar, incluindo melhor filme e melhor diretor. Levou cinco: melhor atriz (Elizabeth Taylor), melhor atriz coadjuvante (Sandy Dennis), melhor direção de arte (preto e branco), melhor fotografia (preto e branco) e melhor figurino.

O Oscar para Nichols viria já no segundo filme, A Primeira Noite de Um Homem. O impacto da produção foi impressionante. Baseado em um livro pouco expressivo de Charles Webb, o filme de Nichols virou um ícone dos anos 1960. "Na pré-estréia de A Primeira Noite de Um Homem, as pessoas ficaram de pé nos últimos cinco minutos, gritando eufóricas e empolgadas. Quase desmaiei com a reação, com a leitura que fizeram do filme", conta o diretor.

No entanto, as produções seguintes de Nichols não foram bem recebidas. E a carreira de Mike Nichols entrou em crise. Nichols só voltaria a fazer as pazes com a telona com Silkwood – O Retrato de Uma Coragem (Silkwood, 1983), estrelado por Meryl Streep. O filme foi indicado a cinco Oscar, incluindo melhor diretor.

E foi assim por toda a carreira de Mike Nichols – alternado entre sucessos e fracassos de bilheteria. Mas o talento de um diretor não pode ser medido dessa forma. Os filmes de Nichols conseguem capturar emoções de forma bastante precisa e inteligente. Não é a toa que seu maior sucesso, A Primeira Noite de um Homem, seja considerado um retrato dos anos 60.

CHICO BENTO E ZÉ LELÉ

2010-07-03T09:31:00.000-03:00

Uma estória curtinha provando que essa é, sem duvida, a dupla mais divertida dos quadrinhos de Mauricio de Souza.

CIVILIZAÇÃO (Carlos Drummond de Andrade)

2010-07-02T08:55:00.000-03:00

O VEADO-GALHEIRO DO NORTE reuniu a família e:

- Rápido, pessoal, vamos dar o pira que isto aqui na Amazônia está cheirando a fumaça!

O veado-mateiro, seu primo, e a capivara, vizinha dos dois, sentiram o mesmo odor e dispararam também. Com pouca sorte: no Maranhão, ouviam-se tiros, em Mato Grosso pairava cheiro de carne assada; em Goiás ...

Lá embaixo, no Rio Grande do Sul, pobre do marrecão-da-patagônia: distraiu-se e seu dia chegou. Não lhe serviu de consolo ver o maçarico-preto e a caturrita tombarem do mesmo galho.

Pelo Brasil inteiro ouve-se : Pum! Pum! Pum! Ou, se preferem versões americanas, de quadrinho: Ban! Tzim! Bzzz! Crash!

São os bichos caindo, as aves baixando em vôo morto, a caça legal, autorizada pelo Instituto Brasileiro de Desenvolvimento Florestal. Até 31 de agosto, aproveitem, caçadores. Podem matar a seu gosto. Com apenas três restrições:

1) Cacem por esporte; não cacem para ganhar dinheiro ou por maldade.

2) Evitem caçar certas espécies, que são sagradas.

3) Não cacem muito; limitem o número de animais caçados, para que sempre restem alguns no mato.

Tirante isso, meus prezados, a fauna lhes pertence. Gosta de codorna, e não simplesmente de ovos da dita? Então, vá a Minas, vá a São Paulo, ao Paraná. Estado do Rio, não; codorna sob o governo do Dr. Padilha tem de ser respeitada. É para o inhambu que vai o seu paladar? Não queira prová-Io no Espírito Santo nem na Bahia; dirija-se a São Paulo. Paca, essa boa carne, está pulando à sua disposição no extremo Norte, mas desista desse prato em Santa Catarina. O mesmo bicho é caçável num Estado, incaçável noutro.

Carece de o caçador levar na mão a arma e a portaria do Instituto, para não se enganar, e um bom mapa do Brasil, também. O mesmo recomendo aos bichos: vocês têm que aprender a ler, queridos; ou pelo menos arranjar um radinho de pilha, que os oriente para onde devem se mandar, se residirem em unidade federativa onde foi permitida a matança de vocês. Cuidado com informantes e dedos·duros: qualquer descuido pode ser fatal. Estudem as questões de limites que ainda persistem entre alguns Estados, para evitar o pior. Narceja pousada no galho precisa saber se o tronco fica do lado de cá ou do lado de lá; o brejo que ela aprecia já foi fotogrametrado? Olhe o risco de um tiro legal, procedente de qualquer das margens.

Outro problema, a numeração. Saracura, o caçador licenciado tem direito de liquidar cinco; a n° seis, que andar escondida por perto, não está livre de ser imolada à contagem errônea. Caça e caçador geralmente não chegam a acordo, e que adiantaria mostrar a este a estatística de saracuras sacrificadas? Ele se enganou, pronto: mata seis, mata sete.

Recomendar a presença de fiscal junto ao caçador licenciado, para que não derrube mais de 10 marrecas-pé-encarnado? Não quero pôr em dúvida a integridade dos fiscais de qualquer natureza, mas carne de marreca é tão sublime, quando bem preparada! Vá lá, pode derrubar ainda umas três ou quatro, de pinga. Mas não se esqueça aqui do titio, hem? E a idéia de instalar um computador nos capoeirões brasileiros, para controlar o teto das caçadas, mostra que o surrealismo continua vivo. De qualquer modo, fiquem sabendo: caçar 10 irerês é esportivo; 11, já constitui abuso contra a natureza. Quer acabar com a raça?

- Mas eu sou campeão de caça a irerê e queria bater meu recorde!

- Calma, amizade. Você ainda tem direito a abater 10 inhambus-xororós, dois inhambus-canela-roxa, 10 codornas... Seu clube lhe dará novos troféus:

Bem, a caça é permitida nas regiões e períodos em que não se desenvolve a fase de reprodução das espécies. É princípio universal, a que se submete nosso Código de Caça. Respeita-se a reprodução, para que ela assegure a estocagem de animais a serem caçados por esporte, sob tais e quais condições restritivas. Garante-se a natureza, por um lado; por outro, garante-se o esporte, que desfalca a natureza. Mas que esporte é esse, fundado na morte de animais inocentes, e não na alegria da vida, que dá sentido às competições da força e da higidez?

Palavra que não entendo. Não o entendia Paul Léautaud, que se rejubilava quando o tiro destinado à caça pegava a nádega de outro caçador. Não chego a tanto, mas suspeito que falta ainda muito para se inscrever nos dicionários o exato sentido da palavra civilização.

O NOVO ROBIN HOOD

2010-07-01T08:47:00.000-03:00

O diretor Ridley Scott, do alto de suas sete décadas de existência, cinco delas dedicadas ao cinema, já deu inúmeras provas de que grandes filmes começam com grandes histórias. O diretor é o responsável por dois dos maiores clássicos modernos de Hollywood: “Alien, o Oitavo Passageiro”, de 1979, e aquele que foi reconhecidamente seu maior êxito, “Gladiador”, de 2000. Recentemente, Scott voltou a fazer o que mais gosta: filmar roteiros épicos. Dessa vez, o diretor escolheu um dos personagens mais conhecidos e queridos da literatura mundial: Robin Hood.

Ridley Scott encontrou um instante turbulento da história da Inglaterra – o fim do século XII, quando o rei, Ricardo Coração de Leão, estava ausente havia dez anos nas Cruzadas e o reino atravessava toda sorte de convulsão – um momento real que poderia ter provocado o surgimento do bom ladrão Robin Hood no condado de Nortingham. Nesse período, a rainha mãe, a formidável Eleonor de Aquitânia (no filme, interpretada por Eileen Atkins), havia até ali segurado as pontas como regente. Mas, ao morrer o rei, teve de transmitir o cetro a seu caçula, o fracote e despreparado John (interpretado por Oscar Isaac) que é manipulado pelo traidor Sir Godfrey (Mark Strong).

O curioso está no enfoque que o diretor dá a uma história tão conhecida como a do ladrão que roubava dos ricos para dar aos pobres: Ridley Scott puxa dela um fio que a torna quase irreconhecível. Robin agora é um arqueiro no exército de Ricardo Coração de Leão. Com a morte do rei, ele volta para a Inglaterra e assume a identidade de um cavaleiro morto em batalha, Robert Loxley. Isso o leva a conhecer o pai deste, Walter (o sueco Max von Sydow, em um de seus melhores papéis nos últimos anos), que lhe pede para continuar a se passar por seu filho. Isso porque se o Xerife de Nottingham (Matthew Macfadyen) descobrir que Sir Robert morreu, todas as suas terras voltarão para a coroa. Para todos os efeitos, então, a partir do momento em que chega a Nottinhgam, Robin deixa de ser Robin; passa a ser Robert Loxley, senhor de uma vasta porção de terras e marido da bela Lady Marian (Cate Blanchett).

Até aí nada que se pareça com o Robin Hood que nós conhecemos. Na verdade, o filme mostra o Robin fazendo apenas um roubo na estrada. Ao motivo é que o filme tenta focar acontecimentos que culminaram na criação do mito Robin Hood. Se a opção do cineasta e o trabalho do roteirista causam certo estranhamento no início da exibição do filme, logo percebemos que a narrativa tornou-se bem realista e divertida.

O elenco de estrelas garante a qualidade do longa. Russel Crowe, tem ótima atuação e consegue cumprir bem seu papel de herói virtuoso. Cate Blanchett, como sempre, tem uma atuação maravilhosa, dando destaque a personagem que originalmente não receberia muito destaque na trama (embora tenha um aparecimento bizarro na batalha no final do filme).

Entre os coadjuvantes, o veterano Max Von Sydow dá um show à parte. Depois de uma incrível interpretação como o vilão de Sherlock Holmes (2009), Mark Strong vem se firmando como um ator especialista em vilões aos quais adoramos odiar. Mas o maior destaque sem duvida é do ator Danny Huston, que interpretou o Rei Ricardo, que apesar da curtíssima aparição, consegue ser mais profundo do que muitos personagens do longa.

Com relação à parte técnica do filme, é um fato que Ridley Scott sabe comandar épicos como ninguém. Utilizando muito bem as paisagens da Inglaterra, o cineasta em colaboração com seu diretor de fotografia John Mathieson nos mostram imagens de tirar o fôlego das belezas naturais inglesas, além de usar tais recursos dentro das cenas de batalha.

Um defeito do roteiro é a desvalorização de ótimos personagens, principalmente os companheiros de Robin Hood como o pequeno John e Will Escartate. O filme simplesmente rouba a importância que esses personagens têm nos contos. Basta notar que quase não há diálogos entre o herói e seus companheiros ou com qualquer outro plebeu na Inglaterra. O único personagem a ter mais destaque foi o divertido Frei Tuck (Mark Addy).

Apesar de não chegar aos pés dos filmes citados no inicio, Robin Hood é um bom filme. E para aqueles que gostam do personagem, a boa notícia é que o diretor já pensa em uma seqüência. A má noticia é que o personagem não será novamente retratado como o ladrão que rouba dos ricos para dar aos pobres. Se o filme ganhar uma continuação, Robin Hood, a exemplo desse filme, terá um papel decisivo na história forçando o rei John a assinar a Magna Carta, o que na verdade ele fez, em 1215, para aplacar uma nação à beira da guerra civil.

Robin Hood (Nottingham, 2010)

Gênero: Ação

Duração: 131min

Estréia: EUA-Brasil - 14 de maio de 2010

Estúdio: Paramount Pictures

Direção: Ridley Scott

ELENCO

Russell Crowe (Robin Hood)

Cate Blanchett (Lady Marian)

Mark Strong (Sir Godfrey)

Oscar Isaac (King John of England)

Mark Lewis Jones (Thomas Longstride)

Mark Addy (Friar Tuck)

William Hurt (William Marshal)

Danny Huston (King Richard the Lionheart)

Eileen Atkins (Eleanor of Aquitaine)

Max von Sydow (Sir Walter Loxley)

ROBIN HOOD: A HISTÓRIA E O MITO

2010-06-30T09:43:00.000-03:00

Num bosque particular junto à mansão Kirklees, em Dewsbury, no condado britânico de Yorkshire, os visitantes deparam com um monumento alquebrado: protegida por um cercadinho de ferro, a lápide contém um epitáfio de causar taquicardia nos interessados:

"Aqui, sob esta pedra,

Jaz Robert, barão de Huntingtun

Nenhum arqueiro foi tão bom quanto ele

Chamavam-no de Robin Hood

Fora da lei como ele e seus homens

A Inglaterra jamais verá outra vez"

A fama do bandido benfeitor prospera desde meados do século 14, a partir de poemas, baladas e contos. Robin promovia uma campanha de roubos espetaculares a viajantes na floresta de Sherwood, em Nottingham (no condado vizinho a Yorkshire), e repartia o butim com os mais pobres, desafiando a autoridade do príncipe e depois rei João I (um dos mais controversos monarcas ingleses, que comandou a nação entre 1199 e 1216) e a do tirânico xerife local. Mas os turistas que fotografam o túmulo do arqueiro (gravado em inglês arcaico e datado de 1247) só podem estar certos de levar para casa o suvenir e uma suposição. A lápide foi erguida no século 18, baseada no marco construído no ponto onde teria caído a última flecha disparada pelo herói agonizante, vítima da traição da prima, madre superiora do antigo convento de Kirklees.

Mais de meio milênio após as primeiras citações conhecidas a seu nome, é inegável o fascínio que Robin Hood ainda provoca. Seja como metáfora para identificar medidas de redistribuição de renda (a exemplo da pretendida taxação sobre transações financeiras internacionais para abastecer países subdesenvolvidos, o imposto Robin Hood), seja para apelidar iniciativas de banditismo social, como a do hacker da Letônia que, em fevereiro, vazou informações sobre os valores dos bônus pagos a executivos de seu país.

Segundo o historiador James Clarke Holt, um dos maiores especialistas no medievo britânico, variações como "Robehod", "Hobehod", ou "Robert Hod, fugitivo" aparecem nos registros legais de algumas comunidades inglesas, em diferentes partes do país, já na primeira metade do século 13. Holt sustenta que isso indicaria o uso da figura para descrever comportamento criminal. Num desses registros, na documentação de Yorkshire referente a 1225/1226, Robert Hod é identificado como um inquilino do arcebispo de York, a quem devia dinheiro.

Na literatura, Robin foi citado inicialmente em 1377, no poema Piers Plowman, de William Langland. Trata-se de menção curta. Ele só vira protagonista na balada Robin Hood and the Monk ("Robin Hood e o monge"), de 1450, já com o xerife de Nottingham como rival imediato e ambientada em Sherwood. O primeiro registro impresso preservado data de 1475: a coleção de histórias The Adventures of Robyn Hode ("As aventuras de Robyn Hode"), que delineia seu comportamento heróico.

Nas antigas descrições, Robin aparece ora ao lado dos comparsas, ora sozinho na mata. Varia de comportamento e tática, alternando-se entre bandido cruel (capaz de decapitar os inimigos e exibir as cabeças como troféus) e astuto. Para Stephen Knight, historiador da Universidade de Cardiff, há sentido por trás dessas contradições. "Quando falamos em Robin Hood, não estamos nos referindo apenas a um homem, mas sim a mais de 600 anos de desenvolvimento de conceitos e sentimentos. Ele representa ideais utópicos de justiça e liberdade. É uma construção social, um mito. Inventado e reinventado ao longo dos séculos", diz o autor de Robin Hood: a Mythic Biography ("Robin Hood: uma biografia mítica"), As narrativas que pintam o arqueiro mais agressivo são resultado de um contexto social turbulento. A Inglaterra do século 14 é marcada pela devastação causada pela Peste Negra e pelo ônus da Guerra dos Cem anos contra a França. Havia ainda tensões internas devido ao crescente descontentamento com as condições de servidão feudal, o que resultaria na Revolta dos Camponeses (1381), principal insurreição inglesa. O estopim foi a criação de um novo imposto de 5 centavos de moeda por cabeça.

No século 16, porém, o perfil de Robin passa por uma espécie de suavização. Ele aparece nas crônicas como um nobre (barão) desterrado e renegado defendendo o poder de Ricardo Coração de Leão (que reinou entre 1189 e 1199) do usurpador príncipe João (quando seguiu para lutar na Terceira Cruzada, Ricardo deixou o irmão no comando de condados como Nottinghamshire). O arqueiro vira um bandido conservador - vítima dos abusos do xerife local e do príncipe, que lhe cassaram direitos -, que defendia a estrutura tradicional de poder. "A partir do século 17 surgem representações intercaladas e mesmo versões com um Robin pós-Reforma, inimigo da Igreja. O mais interessante é que ele se tornara um símbolo em momentos de opressão popular promovidos por reis absolutistas e nobres inescrupulosos ou resultado das agruras do capitalismo", afirma Knight.

A fama do arqueiro, inclusive, parece proporcional ao descontentamento do povo. Thomas Hahn, professor da Universidade de Rochester e um dos fundadores da Associação Internacional de Estudos sobre Robin Hood, insiste que a popularidade do personagem cresce no mesmo ritmo que a frustração da massa com a vida na sociedade capitalista. "O apelo de Robin Hood vem de desejos primários por justiça e igualdade. Embora tal utopia tenha origens na Idade Média, ela é ampla e profunda o suficiente para povoar a imaginação de indivíduos de todas as épocas e lugares. No geral, ela representa posições anti-hierárquicas. É uma fantasia baseada no escapismo", diz Hahn.

Estudiosos encontram fontes de inspiração para o arqueiro nas histórias de alguns fora da lei e figuras históricas como William Wallace, herói escocês, ex-proprietário de terras que seria um dos líderes da 1° Guerra de Independência (1296-1328). Há comparações desde o século 15. "São semelhanças fabulosas. Wallace e Robin, por exemplo, vestem-se de mulher para escapar dos inimigos numa de suas aventuras. Ambos roubavam e matavam nas estradas e lutavam contra o imperialismo inglês. Uma pista está na idealização de Robin como alguém disposto a brigar contra um rei usurpador, atrás de unidade nacional, o que tem muito mais a ver com a realidade medieval escocesa que a inglesa", diz Knight.

Em busca do Robin de carne e osso, historiadores também questionaram as faces do mito. No ano passado, o acadêmico australiano Julian Luxford contestou o bom-mocismo do arqueiro. Examinando um volume do Polychronichon (uma enciclopédia de história e teologia com origens no século 14), ele deparou com anotações de rodapé feitas por um monge católico sugerindo que o fora da lei e seu bando não eram queridos entre os pobres e oprimidos. Até porque também seriam suas vítimas, não apenas os ricos. "Em vez de citar o herói revolucionário que conhecemos, a inscrição fala em como um fora da lei chamado Robin Hood infestava Sherwood e outras áreas da Inglaterra [há quem diga que ele agia também na floresta de Barnsdale] com seus asseclas. Trata-se da primeira referência histórica real livre de folclore. A literatura original a respeito dele não tem menções sobre roubar dos ricos para dar aos pobres, fala de um ladrão trabalhando em causa própria", diz Luxford.

A escassez de lastro histórico dá espaço a teses como a do historiador John Paul Davis. Ele acaba de publicar um livro sustentando que Sherwood foi escolhida por Robin e seu bando como morada porque eles seriam templários. Viviam escondidos para se proteger da determinação papal de exterminar os membros da ordem de cavalheiros que caíra em desgraça depois de se transformar numa poderosa organização militar. Os templários foram dissolvidos no início do século 14 e o então monarca inglês, Eduardo Il, não costumava perseguí-los como os colegas do continente. Para Davis, o arqueiro era mais sofisticado que um bandido comum. "A perseguição aos templários fez com que milhares de homens se transformassem em fugitivos da noite para o dia. Conformavam-se em viver nos bosques da Inglaterra e, lá, mantinham o senso de organização militar e de orientação para o bem dos cavalheiros", diz o historiador.

"O simples fato de ainda haver estudos sobre Robin é mais relevante que a discussão sobre o que é falso ou verdadeiro. Os nomes dele e do rei Arthur são os únicos de existência histórica não-comprovada que estão no dicionário biográfico da Universidade de Oxford", afirma Luxford. Para Stephen Knight, a autenticidade está justamente na dúvida: "Ele não precisa ter sido de carne e osso. Sua sobrevivência como construção cultural que resistiu por séculos lhe garante existência. Nesse sentido, Robin Hood vive".

ARCA DE TIJOLOS

2010-06-29T08:42:00.002-03:00

Algumas das imagens mais incríveis do Brick Testament estão na reprodução da história da Arca de Noé. Algumas delas você vê abaixo.

EPISÓDIO 2: O OVO DA MORTE

2010-06-28T09:08:00.001-03:00

No dia 24 de novembro, fãs do Sonic nos EUA estavam ansiosos para o "Sonic Twosday", (um trocadilho com Sonic Two e Tuesday - Terça feira) dia do lançamento domais novo jogo do ouriço azul. Apesar desta versão for a primeira que não foi produzida pelo Sonic Team e sim pela Sega Technical Institute nos Estados Unidos (apenas alguns membros do Sonic Team foram até os Estados Unidos para dar uma força no desenvolvimento), Sonic the Hedgehog 2 veio a se tornar um dos maiores sucessos do Mega, e muitos dizem que ele é o maior clássico dos jogos do Sonic e o melhor jogo do Mega Drive.

O Enredo

Depois da ultima luta de Sonic com o Dr. Robotnik, as Chaos Emerald haviam desaparecido (para reconstruir a Ilha do Sul), e reapareceram em outros locais, e desta vez foi descoberta a existência de mais uma.

Sonic conheceu um novo amigo, Tails, um grande fã do ouriço! Eles estavam na floresta fazendo um espetáculo (um show de golpes e habilidades num dia qualquer). Sonic mostrava a todos o seu novo golpe, o Spindash, enquanto Tails tentava acompanhar o ritmo de Sonic. De repente Sonic vira-se e vê que todos os seus amigos haviam sumido! Não há dúvidas: era Robotnik novamente!

Para poder concentrar todo o poder, Robotnik cria o Ovo da Morte (homenagem a Estrela da Morte do Star Wars 4), onde lá coloca a sua nova arma, um Sonic metálico do mal, o Silver Sonic que foi programado para destruir Sonic! Além disso, somente o poder das Chaos Emerald poderia fortalecer o Ovo da Morte. Enquanto isso, o Sonic inicia sua jornada, junto com Tails, passando por novos desafios, perigos, mas consegue vencer tudo!

O amigo de Sonic, Tails, possui uma grande habilidade de construir coisas, e ele acabou construindo um avião que auxiliou o Sonic a chegar até a Fortaleza Voadora de Robotnik (Wing Fortress), que como nome já diz, é uma grande e poderosa fortaleza carregada de perigos para impedir o Sonic de chegar ao Ovo da Morte. Porém, lá ele derrota Robotnik. Agora bastava apenas Robotnik se esconder no Ovo da Morte, era a sua última chance, uma vez que o Sonic conseguiu achar as Chaos Emeralds antes que ele.

Quando Sonic está com todas as Chaos Emerald, ele pode virar o invencível Super Sonic, que seria o Sonic muito mais poderoso. Por essa razão, o Sonic pôde derrotar Robotnik facilmente na Fortaleza Voadora. Porém, no Ovo da Morte não há anéis e lá Sonic não pode se tornar Super. Mas, então, como o Sonic faria para alcançar Robotnik, que havia fugido em sua nave, se o avião de Tails foi atingido antes de entrar na Fortaleza Voadora?

Ao partir para o Ovo da Morte com sua nave o Tails ressurgiu com o seu avião, e auxiliou Sonic a alcançar Robotnik, pegando carona na nave de Robotnik. Quando chega ao Ovo da Morte, Sonic enfrenta o primeiro desafio: o Silver Sonic. Sonic consegue facilmente destruir o robô e enfrenta o Robotnik, então, na batalha final.

Robotnik usa agora um imenso robô, cheio de garras, e super protegido: é a sua arma final. Mas nada é páreo para Sonic! Sonic derrota Robotnik mais uma vez e o Ovo da Morte entra em colapso...

O Sonic corre da Death Egg em chamas! Na Ilha do Sul, todos os animais olham para a explosão no céu. Tails fica olhando, preocupado com o ouriço. O garoto-raposa decide ir buscar Sonic. Enquanto isso, Sonic entra na atmosfera da Terra. Ele conseguiu sobreviver pois estava como Super Sonic. Tails alcança Super Sonic e os dois voam pelo céu. A raposa no biplano e o ouriço através do poder das Chaos Emeralds. Tudo acaba bem!

Características do Jogo

Sonic the Hedgehog 2 trás algumas novidades. Os estágios agora são divididos em duas fases, e não em três como no Sonic the Hedgehog. Também, graças ao Tails, você pode convidar um amigo para jogar numa divertida corrida, e descobrir quem consegue coletar mais anéis, fazer o menor tempo e destruir mais TVs.

A forma de obter as Chaos Emeralds também mudou. Ao longo de cada fase, você encontra postes de estrelas. Estes postes marcam o seu local. Se você morrer, você pode começar deste ponto. Além disso, se você tocar nos postes com cinqüenta ou mais anéis, surgirá um anel de estrelas. Ele é como se você um portal para o Special Stage. Basta pular para atravessá-lo.

O Special Stage também muda. O lugar continua bem psicodélico, mas, dessa vez, Sonic fica correndo por um longo corredor. Nestes estágios terá que pegar anéis para passar pelos três atos. Também há algumas bombas, que fazem você perder anéis. Em cada ato é necessário pegar um certo número de anéis. Se você não conseguir, o estágio acaba. Se você conseguir passsar pelos três atos, a Chaos Emerald é sua. Ao todo são sete estágios diferentes, uma para cada esmeralda.

E aí vai a novidade mais legal do jogo. Ao coletar as sete Chaos Emeralds, Sonic pode transformar-se m Super Sonic. Basta coletar cinqüenta anéis ou mais e pular. Quando estiver no ar, o ouriço mudará de forma. Nesta forma seus anéis serão consumidos, um a cada segundo. Quando os anéis acabarem, Sonic volta ao normal. Super Sonic tem uma super velocidade, que pode até atrapalhar algumas vezes, e é invencível, menos contra os eventos mortais (esmagamento, afogamento, buracos sem fim).

ESCULTURAS INCRÍVEIS

2010-06-27T08:59:00.001-03:00

O libanês Toufic Assaad Daher passou anos reproduzindo grandes monumentos da humanidade com palitos de fósforo e foi reconhecido em 2009 pelo Guinness Book, o livro dos recordes, por sua obra. Nesta semana, ele abriu sua exposição em Beirute, no Líbano, seu país de origem. Suas obras têm detalhes incríveis. Abaixo você duas de suas criações: a Torre Eiffel, de Paris o Titanic.

Um grupo de artistas se reuniu no começo do mês, em Berlim, na Alemanha, no Festival Sandsation de Escultura na Areia. O Festival Sandsation reúne escultores de todo o mundo até o dia 29 de agosto. As obras estão expostas à beira do rio Spree. Abaixo você pode assistir uma reportagem de uma TV portuguesa.

INGÊNUO E HILÁRIO

2010-06-26T09:25:00.000-03:00

Entre todos os personagens da Turma do Chico Bento, Zé Lelé, o primo de Chico Bento, é sem duvida um dos mais engraçados. Zé Lelé recebeu esse apelido porque ele é ingênuo, meio distraído e, digamos... de inteligência um tanto limitada. Por isso, suas participações são sempre hilárias. Abaixo você vê uma história do Zé Lelé.

GRAVAÇÃO (Carlos Drummond de Andrade)

2010-06-25T09:35:00.001-03:00

- PRONTO, tá ligado. Posso começar?

- Pode.

- O senhor se sente realizado?

- Por que você quer saber isso?

- Nada não. O professor é que mandou lhe perguntar.

- O professor tem interesse em saber se eu me sinto realizado?

- Sei não senhor.

- Então diga ao professor que venha me procurar.

- Pra quê?

- Para eu lhe perguntar se ele se sente realizado.

- O senhor vai perguntar isso a ele?

- Vou.

- O senhor também está estudando? Nessa idade, poxa!

- Quê que tem? Toda idade é boa para estudar, a gente não acaba nunca de saber as coisas. Mas não estou estudando não.

- Então por que vai perguntar isso ao professor?

- Porque se ele quer saber se eu me sinto realizado, eu também quero saber a mesma coisa dele. Indiscrição por indiscrição.

- Gozado... Mas se o senhor fizer isso não bota o meu nome no meio, porque vai dar grilo. Vê lá, hem.

- Fique descansado. Não vou comprometer você.

- E o senhor só vai responder a minha pergunta depois de falar com ele? E se ele não responder? Se demorar? Tenho de entregar esta entrevista até quinta-feira.

- Bem, eu respondo agora mesmo.

- Então responde, vamos lá.

- Primeiro eu preciso saber: o que é se sentir realizado?

- O senhor não sabe?

- Para dizer o que eu sinto, quero saber antes se o que eu sinto é o mesmo que se deve sentir quando se está realizado, ou se julga estar. E para isso é preciso saber o que é estar realizado.

- Poxa, não complica.

- Estou complicando, meu querido? Minha intenção era simplificar, esclarecer. O que é mesmo se sentir realizado?

- Ora! Se sentir realizado é... quer dizer... Não sei explicar muito bem, mas o senhor entende, né?

- Mais ou menos. Quer dizer: menos. E você?

- Se o senhor não entende bem, eu é que vou entender?

- Então, como é que eu posso responder?

- Ué, o senhor é o entrevistado, o que sabe das coisas.

- E quando não sei!

- Não sabe se está realizado?

- Não sei nem o que é realizado.

- Corta essa. Não vai me dizer que não tem dicionário em casa.

- Tenho alguns, mas em vez de me tirarem as dúvidas, me acrescentam outras.

- Desculpa, mas o senhor é enrolado, hem! Será que não achou o significado de realizado?

- Achei quatro ou cinco, Quer ver? Olhe aqui, O primeiro é o de coisa ou negócio que se realizou, que se tornou real. Será que me tornei real? E antes não era? Quê que eu era então? Fantasma? Projeto?

- Assim o senhor me funde a cuca.

- Não tenho intenção.

- E os outros significados?

- No fim, está o neologismo, e aí é que - desculpe a expressão, que não costumo usar, mas me deu vontade – aí é que a vaca vai pro brejo. Aqui está: "indivíduo realizado: dito por uma pessoa, de si própria, quando considera ter alcançado todos os seus objetivos no terreno ético ou no de suas atividades profissionais ou artísticas."

- Tá legal.

- Legal no papel, mas e dentro de mim '?

- Dentro do senhor o quê?

- Quais são meus objetivos no terreno ético, ou, mais modestamente, no terreno de minhas atividades profissionais ou artísticas? Tenho objetivos éticos definidos? Quais são? São meus ou me são impostos ou sugeridos pela educação e pela conveniência social ? Se fossem exclusivamente meus, quais seriam? E em minhas atividades práticas ou criativas? Que é que eu pretendo? Pretendo sempre as mesmas coisas? Não mudo de alvo? Não danço conforme a música ou até sem ela e contra ela? Que é que eu sei de positivo a respeito disso, ao longo de minha vida? Que pretendia eu há 20 anos'! Há 10? Na semana passada? Me procure depois de eu morrer. Aí então, posso dar balanço.

- Chega! Chega!

- Estou caceteando você ?

- Não está enchendo não. É que a fita acabou. Até que a entrevista foi bacana, um tremendo barato. O professor vai delirar, a turma também. Um cara que não sabe se está realizado nem o que é realizado! Papo findo, tchau!

O INCOMPLETO

2010-06-24T08:44:00.000-03:00

Um dos maiores escultores de todos os tempos, Auguste Rodin, teve a sua primeira obra rejeita. A justificativa? O júri achou que e a obra era um esboço, uma coisa inacabada. Apesar disso, Rodin não desistiu e transformou esse episódio em sua maior característica.

Nascido em Paris, no dia 12 de novembro de 1840, Auguste Rodin fez suas primeiras esculturas na cozinha de sua mãe, com massa que ela usava para fazer pão. Aos 13 anos, aquele que seria um dos escultores mais geniais da história da arte, já tinha aulas numa pequena academia. Interessou-se e estudou também, por conta própria, anatomia humana para utilizar os conhecimentos na elaboração de suas esculturas

Após o episódio citado no inicio, Rodin realizou no ano de 1875 uma viagem à Itália, de importância fundamental para sua futura estatuária. Lá se interessou principalmente pela obra de Michelangelo, mais precisamente pela escultura O Prisioneiro, que o mestre deixou inacabada. Tamanha foi sua influencia que toda a criação de Rodin se basearia no conceito de "non finito".

No entanto, a originalidade e a recusa ao convencional de suas obras para os padrões da época lhe acarretaram vários problemas, como a proibição de expor alguns trabalhos. Abaixo você pode ver algumas de suas obras mais famosas.

O beijo (1886)

Os cidadãos de Calais (1886), uma homenagem aos seis homens que se sacrificaram para
salvar a cidade francesa de Calais das mãos do Rei Eduardo III da Inglaterra.

O pensador (1880)

A Idade do Bronze (1876), obra que causou polêmica, pois sua perfeição gerou comentários e críticas no meio artístico; muitos afirmaram que Rodin teria usado um modelo vivo como molde.

Toalete de Vênus e Andrômeda, em exposição na Pinacoteca do Estado de São Paulo.

DA ITÁLIA PARA SÃO PAULO

2010-06-23T08:58:00.001-03:00

"Quando for escrita (será feito algum dia?), a verdadeira história da vida artístisca paulista nestes últimos 20, 30 anos, apesar das transformações, das evoluções, um nome certamente não poderá ser esquecido: o do escultor-pintor Ottone Zorlini; e não apenas pelo seu trabalho profícuo, honesto e sincero, e sim, por tudo aquilo que sua personalidade representa em todas as várias fases das artes locais.” Foi isso o que disse Franco Cenni em 1965, dois anos antes de morte do artista.

De fato, Ottone Zorlini é um dos artistas mais presentes na vida dos paulistas, embora, devido ao ritmo da cidade, muitas vezes passe despercebido. Nascido em Gorgo Al Monticano, província de Treviso, Itália, em 20 de Setembro de 1891, Zorlini era de família humilde, sendo o sexto dos sete filhos de Dona Ida Pigatti. Ainda jovem trabalhou como ajudante no ateliê do famoso escultor e ceramista Caccapuoti, em Treviso e, mais tarde, abriu seu próprio ateliê.

Em 1927, devido à presença maciça da colônia Veneta na cidade de São Paulo, viajou para o Brasil. Aqui viu como é difícil viver de arte no Brasil. De acordo com Ruth Sprung Tarassantchi, "Zorlini, natural de Treviso, Itália, chegou ao Brasil em 1927 já escultor de renome em sua terra. Trouxe algumas elegantes cabeças de mulher, figuras femininas, e fotos de obras executadas na Itália. Continuou aqui no Brasil executando monumentos funerários e bustos, já que este era o ganha-pão da maioria de nossos escultores.” Foi nessa época que Zorlini fez o Monumento aos Heróis da Travessia do Atlântico, hoje localizado na Avenida Brasil x Avenida Europa, na cidade de São Paulo.

O ano de 1933 marcou o começo de uma era de intensa produção, de grandes obras, figuras femininas, animais e retratos. Abaixo você pode ver algumas de suas obras.

Escultura em bronze esculpida em 1935

Eva Mulata – década de 60

Índio Pescador – década de 40

Tocadores de Violão – década de 50

TESTAMENTO DE TIJOLO

2010-06-22T09:04:00.007-03:00

Durante algumas semanas, O ESPAÇO DAS ARTES apresentou algumas obras de arte feitas com Lego. Mas nenhuma delas exigiu tanto do artista como a que vamos apresentar nas próximas semanas. O projeto é ambicioso: reconstruir todas as cenas da Bíblia. Seu autor, Brendan Smith, levou uma década para reproduzir o relato de Gênesis a Apocalipse. "Eu quis contar as histórias da Bíblia de um jeito novo, divertido e envolvente - mas fiel às Escrituras", diz Brendan. Toda semana iremos postar algumas gravuras do Brick Testament (Testamento de Tijolo). Abaixo você vê a história de Adão e Eva.

A serpente tentando a mulher: “É realmente assim que Deus disse,

que não deveis comer de toda árvore do jardim?”

Depois de comerem o fruto, Adão e Eva perceberam que estavam nus.

A PRIMEIRA AVENTURA DO SONIC

2010-06-21T08:54:00.000-03:00

23 de junho de 1991 foi um grande marco para história dos games – neste dia foi lançado nos EUA o jogo Sonic the Hedgehog. O jogo é bem simples, o que levou a alguns a pensarem o game não apresenta enredo: basta correr e fechar o jogo. Mas por trás disso há toda uma saga, todo um enredo. Apesar de os jogos do Sonic não seguirem um enredo linear, o blog O ESPAÇO DAS ARTES tentará narrar a saga do ouriço azul.

Sonic é um ouriço azul nascido em Green Hill, na South Island. Lá ele vive e tem muitos amigos. Desde pequeno sempre foi famoso por ser um pouco diferente: ser o mais veloz dos animais da floresta! O Sonic vive num mundo cheio de animais, e sustentado pelo poder de pedras especiais, as Chaos Emerald. As Chaos Emerald são uma poderosa e misteriosa fonte de poder.

Dr. Robotnik, um maluco cientista, resolveu dominar o mundo do Sonic. Para tal, ele raptou todos os animais, para transformá-los em robôs, compondo um poderoso e grande exército, através do qual ele irá dominar o planeta, e para isso, as Chaos Emerald são fundamentais.

Porém, Sonic, por ser muito rápido, conseguiu se livrar. Foi assim que ele sozinho ganhou a importante missão de destruir todos os robôs de Robotnik, recuperar o seu mundo, pegar de volta as Chaos Emerald, e desta forma garantir a paz de volta!

Para Sonic poder competir com Robotnik, ele também precisaria de alguma força. Essa força está concentrada nos anéis espalhados pelo Planeta. Desta forma, o Sonic destruiu todos os principais robôs de Robotnik, recuperando a paz pela ilha.

Robotnik, porém, tenta então usar o seu último plano contra Sonic: uma gigantesca máquina muito poderosa. Sonic derrota o Dr. Robotnik em sua máquina, que começa a explodir. O cientista louco que tenta escapar em sua pequena nave, mas o ouriço azul consegue acertar um último golpe e danifica-la, fazendo a nave do Dr. Robotnik cair. O ouriço observa-o até perdê-lo de vista e finalmente volta à Green Hill, na South Island, sendo recebido pelos animais que ele libertou. O herói libera as Chaos Emeralds que com seu poder restauram a destruição feita pelo cientista louco.

Tudo isso aconteceu em Sonic The Hedgehog (1991), primeira aventura do ouriço azul. Apesar de toda a revulução causada pelo game, Sonic The Hedgehog tem um ponto fraco: o jogo não possui nem saves nem passwords. Então ao morrer e perder todos os continues deveria começar do inicio o que tornava coisa meio dificil.

Tirando esse defeito o jogo é bem divertido. Você deve atravssar as fases, coletando os anéis e tomando cuidado, pois ao ser atingindo por inimigos Sonic derrubava esses anés no chão. A cada 100 anéis coletados se ganhava uma vida e ao concluir uma fase com no mínimo 50 anéis você pode entrar numa special stage, um local totalmente psicodélico, em que Sonic fica rolando como se fosse uma bola de pinball tentando recuperar uma das Chaos Emerald. Nas fases existem outros bônus dentro de monitores de TV que, ao serem quebrados por Sonic, dão a ele algum beneficio como escudo, maior velocidade ou mais uma vida.

O jogo é divido em estágios que são divididos em três fases. No final da terceira fase, Sonic enfrenta o Dr. Robotnik em uma de suas máquinas malucas. Você deve derrotá-lo para poder concluir a fase. Ao derrotar o cientista louco, ele foge. Siga-o até alcançar o ovo-jaula. Pise no botão que está acima para libertar os animais e concluir o estágio.

Isso é quase tudo o que há para saber sobre Sonic The Hedgehog. Agora é só jogar, se divertir e conhecer toda a saga do ouriço azul.

O VERDADEIRO PAÍS DAS MARAVILHAS

2010-06-20T08:48:00.000-03:00

Algumas pessoas acharam estranho o visual do novo filme da Disney, Alice no País das Maravilhas. Acontece que a antiga animação da Disney parecia ser mais alegre, ao passo que o filme tem um teor mais negro, chegando a gótico. A Alice, por exemplo, tem uma face pálida e ar sombrio. No entanto, o visual do filme é muito mais parecido com as gravuras do livro publicado em 1864.

As gravuras do clássico de Lewis Carroll foram feitas por John Tenniel, que nasceu em Londres em 1820. Cego de um olho e com uma memória fotográfica prodigiosa, desenhava sem modelos. Entre 1850 e 1901 colaborou com a revista satírica Punch, para a qual produziu mais de 2 mil ilustrações e caricaturas, além de, é claro, vários livros. John Tenniel morreu em 1914, mas seu trabalho continua a fascinar pessoas de todas as idades. Abaixo você pode ver alguns dos trabalhos feitos por John Tenniel para o livro Alice no País das Maravilhas.

MUITO PARA ENSINAR E APRENDER

2010-06-19T08:36:00.003-03:00

Como a maioria das pessoas sabe, boa parte dos personagens de Mauricio de Souza são baseados em pessoas de sua família. E a turma do Chico Bento não é diferente. O que poucas pessoas sabem é que Chico Bento (cujo nome completo é Francisco Antonio Felício Bento) é inspirado em um tio-avô de Maurício, morador de Santa Branca, no Vale do Paraíba, São Paulo. Muitas das histórias das revistinhas de fato aconteceram na vida real e foram contadas pela avó de Mauricio (que também virou personagem dos quadrinhos, a vó Dita).

Chico Bento estreou em 1963, numa tirinha dos personagens Hiroshi e Zezinho (que passaram a ser chamados Hiro e Zé da Roça). A primeira revista própria foi lançada em 26 de agosto de 1982. Nesta época, o personagem havia gerado polêmica, já que a linguagem utilizada nas histórias, mostra que o protagonista é o típico caipira do interior. Muitos alegaram que "ela [revista do Chico Bento] ensina às crianças a falarem errado". Outros disseram que "a maneira dos personagens falar é puro preconceito"

No entanto, a maioria das pessoas entendeu que o objetivo é mostrar como aquele menino que mora na roça, fala errado, anda descalço, conversa com os animais e gosta da natureza tem muito a nos ensinar. Isso fica ainda mais evidente nas histórias com a participação do seu primo Zeca, que mora na cidade grande e vai passear no interior de vez m quando. Embora Zeca tenha acesso a computador e vídeo game, a conclusão da história sempre é que ele está perdendo muito por não desfrutar das mesmas coisas que o Chico.

Vivendo aventuras num sítio nas cercanias da Vila Abobrinha, no interior de São Paulo, Chico Bento é um dos personagens mais divertidos de Mauricio de Souza. Abaixo você pode conferir uma de suas histórias.

CALÇA LITERÁRIA (Carlos Drummond de Andrade)

2010-06-18T08:41:00.000-03:00

É ASSÍDUO LEITOR de blusas, camisas, saias, calças estampadas. Não lhe escapa um exemplar novo. Parece desligado, e observa tudo. Segundo ele, as peças de indumentária, masculina e feminina, ostentando símbolos e nomes de universidades americanas, manchetes, páginas de jornal, retratos de Pelé e Jimi Hendrix, apelos ao amor que não à guerra, etc., há muito deixaram de ser originais. Constituem invólucros rotineiros de pessoas de qualquer idade. A gente estranha é uma camisa inteiramente nua de dizeres ou figuras, a roupa que não diz nada, só roupa. Hoje, lê-se mais nos tecidos do que nos livros, e não é ler apenas, é ver cinema e televisão, pois os corpos, ao se moverem, dinamizam as figuras estampadas. O que, de um modo ou de outro, contribui para a cultura de massas. Informa:

- Estou pensando em aproveitar esse material para fins especificamente didáticos. Através dele, ensinar Geografia, História, Matemática, Medicina de Urgência, Imposto de Renda, Ortografia Desmistificada, essas coisas. O indivíduo cobre-se e vai distribuindo ciência. Ou aprendendo. Vinte minutos no ônibus - que aula! Classes ao ar livre, na feira, na fila. Escola dinâmica.

- Você sozinho é um Mobral 1971.

- Ontem eu li uma calça comprida, de mulher, que à primeira vista não tinha nada de especial. Estava escrita como tantas outras. Mas o texto (não confundir com textura) me chamou a atenção. Geralmente, calças e blusas não são Iiterárias. Trazem notícias, anúncios, slogans, mas versos, ainda não tinha visto. Pois essa tinha poemas em português, de Camões ao Vinicius.

-Tomou nota?

- Claro. Aliás, a usuária foi muito gentil. Percebendo que eu mirava a parte inferior do seu revestimento, gratificou-me com um sorriso que eu traduzi assim: "Pode mirar mais." E eu mirei. Aí, puxei da caneta, e ela sorriu outra vez, como quem diz: "Pode copiar também." Copiei.

- Tudo?

- Tudo, não. A dona da calça estava sentada na sala de espera do cinema. Só o que era visível. Depois se levantou, foi ao bebedouro, deu tempo para eu colher mais alguma coisa, no ir e vir. Não tive coragem de pedir-lhe que desse umas voltas. Você compreende: sou tímido.

- Estou vendo.

- Foi a primeira calça literária, totalmente poética, do meu conhecimento. Feita em São Paulo? Talvez. Caracteres pretos sobre fundo branco. Versos em todas as direções. De Bilac, de Cecília, de Bandeira, de Castro Alves, de Fernando Pessoa. Uma antologia, bicho. Sem ordem, naturalmente. Escuta aí: Onde vais à tardezinha, morena flor do sertão? O que eu adoro em ti é a vida. Aqui outrora retumbaram hinos. Oh abelha imaginativa! o que o desejo inventa ... Vou-me embora pra Pasárgada. Amor é fogo que arde sem se ver. Ninguém sonha duas vezes o mesmo sonho. No monte de amor andei, por ter de monteiro fama, sem tomar gamo nem gama. CIorindas e Belindas brincam no tempo das berlindas. Eu tenho amado tanto e não conheço o amor. Estrela Vésper do pastor errante. ’Tamos em pleno mar: dois infinitos ali se alteiam ...

- Beleza.

- Não é? Tem mais. Transforma-se o amador na coisa amada. Antônia, você parece uma lagarta listrada. Dona Janaína, rainha do mar, dai-me licença para eu também brincar no vosso reinado. Por que não nasci eu um simples vaga-Iume? Não queiras indagar do meu segredo. Mas que seja infinito enquanto dure. Cantando espalharei por toda parte. Tudo não escondido perde a graça. O cinantomo floresce em frente do teu postigo. Crisântemo divino aberto em meio da solidão ... Tinha uma pedra no meio do caminho.

- Isso já é prosa, amizade.

- É mesmo. Em todo caso, trata-se da primeira calça poética luso-brasileira. Os poetas que tratem de defender seus direitos autorais. A menos que considerem uma honra vestir de versos as mulheres.

AS NOVAS AVENTURAS DE ALICE

2010-06-17T09:06:00.001-03:00

Não surpreende que Alice no País das Maravilhas seja uma das histórias prediletas de Tim Burton, o diretor de Edward Mãos de Tesoura e A Fantástica Fábrica de Chocolate: Burton construiu toda uma carreira sobre as dores e frustrações causadas pelos sentimentos de inadequação - os de seus personagens e também os seus. Inadequação é sem dúvida um sentimento que a personagem principal da história de Lewis Carroll desfruta: Alice não consegue ficar à vontade nem no mundo que tem de habitar, nem no mundo criado por sua imaginação.

A nova adaptação do livro não decepciona nos efeitos visuais. A imaginação visual de Burton, sua maior assinatura e melhor recomendação, atinge aqui um pico febril. Cada cena é uma explosão de cores, mas elas freqüentemente adquirem tons góticos. O diretor se preocupou com cada pequeno detalhe que está em tela, que pode ser evidenciado, por exemplo, na precisa caracterização de cada personagem do longa.

Apesar disso, os fãs do livro notaram que alguns personagens foram adulterados sem que se identifique uma boa razão para tal: a Rainha de Copas, por exemplo, mantém sua personalidade, mas é chamada aqui de Rainha Vermelha, uma personagem bem diferente e que só existe em Através do Espelho, a seqüência de País das Maravilhas publicada em 1871. O motivo parece ser a necessidade de contrapô-Ia à meiga Rainha Branca, que no filme é sua irmã e rival - Vermelha (Helena Bonham Carter) usurpou o trono de Branca (Anne Hathaway), e Alice é quem vai ter de comandar as forças do bem em uma guerra para derrubar a tirana e seus asseclas maléficos. Forças do bem? Guerra? A certa altura, Alice no País das Maravilhas, ícone da literatura em favor do humor perturbado e sem sentido promulgado em uma era que se inebriara do racionalismo, sai de vez do seu curso e vira uma fantasia medieval com batalhas, espadas e armaduras. Vira, enfim, uma tentativa desanimada, sem alma nem convicção de emular sucessos da fantasia como O Senhor dos Anéis (em alguns momentos parece que Burton praticamente copiou uma seqüência inteira de “O Retorno do Rei”) e de animar o público em torno de um protagonista incumbido de uma missão messiânica.

Se há dois sintomas claros de que esta Alice passou por um processo de desnaturação, porém, eles estão, primeiro, na figura triste em que o originalmente insolente Chapeleiro Maluco se transformou: quando Johnny Depp está em cena, o filme transpira o que de fato gostaria de ser – mais uma história em que Depp assume o lugar de alter ego trágico do diretor. Ainda assim, é impossível não destacar o seu talento – Johnny Depp está mais uma vez espetacular, mostrando impressionante desenvoltura para personagens ímpares.

O segundo e mais grave sintoma está na alteração ostensiva da protagonista, de uma menina de 10 anos para uma jovem de 19, indignada com a idéia de ter de se casar com um aristocrata tolo. O diretor e a roteirista Linda Woolverton se jogam em uma outra armadilha: transformam enredo em uma história de superação e de celebração do Girl Power. Talvez por isso, a atriz Mia Wasikowska, que interpreta Alice, foi bastante criticada. No entanto, ela tem-se mostrado uma atriz de bom senso inato, capaz de fazer sempre a escolha mais sólida em cada situação em que é lançada. É provável que fosse uma excelente Alice - se algo de Alice houvesse restado nesta versão ao mesmo tempo tão maravilhosa e, ao mesmo tempo, tão tímida de Tím Burton.

Entretanto, quem robou a cena neste filme foi Helena Bonham Carter, divertidíssima como a carismática Rainha Vermelha, cuja tirania é justificada por sua carência afetiva. A cabeçuda rainha vermelha não estava apenas presente, mas tornou-se responsável por quase todas as cenas marcantessno filme, desde os momentos cômicos até os momentos decisivos na obra.

O elenco também conta com Anne Hathaway (“Idas e Vindas do Amor”), que aparece um pouco artificial, mas também agrada.

Apesar dos pontos fracos, Alice no País das Maravilhas é um bom filme, produzido por ótimos profissionais e vale a pena assistir.

Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland, 2010)

Gênero: Fantasia

Duração: 108min

Origem: EUA

Estréia: EUA - 5 de março de 2010

Estréia: Brasil - 23 de abril de 2010

Estúdio: Walt Disney Pictures

Direção: Tim Burton

Roteiro: Linda Woolverton

Elenco

Mia Wasikowska (Alice Kingsley)

Johnny Depp (Chapeleiro Louco)

Matt Lucas (Tweedle-Dee e Tweedle-Dum)

Anne Hathaway (Rainha Branca)

Helena Bonham Carter (Rainha Vermelha)

Crispin Glover (Valete de Copas)

O RETORNO DO REI

2010-06-16T08:49:00.001-03:00

Nesta semana, durante a conferência da Ubisoft, foi anunciado o retorno do rei da música pop ao mundo dos games. O anúncio do título “Michael Jackson game”, ainda provisório, foi feito pelo presidente da Ubisoft, Yves Guillemot, durante conferência da empresa na Electronic Entertainment Expo (E3), na cidade de Los Angeles, nos EUA.

Guillemot afirmou que o game, ainda em estágio inicial de desenvolvimento, utilizará o novo acessório Kinect, que capta os movimentos dos jogadores do Xbox 360; o controle sensível a movimentos do PlayStation 3, o Move; e o Wii Remote, do Wii. Também estão previstas versões para os portáteis Nintendo DS e PSP.

O game ensinará os passos de dança de Jackson e levará os jogadores para reviver os principais momentos de sua carreira. Nas imagens divulgadas, cenas de videoclipes do músico apareciam em meio a personagens virtuais que dançavam a canção.

Esta é uma ótima noticia no mundo dos games, já que Michael Jackson até então não havia sido bem representado na décima arte. O principal game estrelado pelo cantor havia sido “Moonwalker”, um arcade lançado para os fliperamas, Mega Drive e Master System na década de 90.

BRINCANDO DE FAZER ARTE

2010-06-15T10:38:00.000-03:00

Nascido em Turim, com cerca de 56 anos, Marco Pece é um fotógrafo italiano fascinado pelas emoções despertadas pelas obras-primas da pintura e do cinema. Unindo essa fascinação com o seu brinquedo favorito na infância, o Lego, Pece se especializou em montar versões em Lego de clássicos de pintura e cinema. Ele já prestou homenagens a vários mestres usando os tijolos de Lego. Após longas horas "brincando", a obra final é uma fotografia fabulosa, cheia de detalhes perfeitos.

O amor pela arte é a principal característica de Marco Pece, que só reproduz as obras que ele realmente gosta. Respeitando muito a obra e seu autor, Pece revisita os clássicos com humor e originalidade.

Pece gosta de pensar que suas obras são um meio divertido de levar as pessoas à arte de grandes mestres. Abaixo você pode conferir alguns de seus trabalhos compará-los com as obras originais.

O NASCIMENTO DO SONIC

2010-06-14T08:54:00.000-03:00

Podemos dizer que Sonic nasceu numa guerra. Era a guerra dos 16 bits ou a guerra entre empresas para se tornar a maior no ramo de consoles. O ano era 1986. A SEGA Interprises do Japão, grande fabricante de arcades da época, resolveu entrar no ramo de consoles de videogame doméstico devido ao estrondoso sucesso alcançado pela Nintendo. Então, após lançar seus primeiros sistemas de videogame, da qual não se tem muito conhecimento (como o SG – 100 e outros), decide lançar o SEGA Mark III, que é o nome do Master System no Japão. Apesar de não ter conseguido bater a Nintendo, o Master se popularizou muito, principalmente na Europa.

Mas a SEGA tinha um problema: todas as empresas de games tinham um mascote. A Nintendo, por exemplo, tinha o Mario, um grande sucesso de vendas e a CAPCOM, apesar de não trabalhar com consoles, tinha o Mega Man. Era justamente disto que a Sega precisava: um jogo matador que conseguisse ameaçar o reinado da então “imbatível” Nintendo. Mas quem seria este mascote e como seria?

A primeira tentativa de um mascote para a Sega foi o Alex Kidd, que seguia bem o estilo do Mario e teve vários jogos lançados para o Master System e até um para o Mega, em 89. Mas não teve a aceitação esperada, não emplacando muito. A Sega decidiu então criar em 1990 a divisão AM-8 (que mais tarde passou a se chamar Sonic Team) que ficou encarregada de criar um novo mascote que pudesse bater de frente com o Mario.

Havia um segundo problema: o Super Nintendo era melhor que o Mega Drive. O Mega Drive não tinha um processador muito poderoso, nem uma palheta de cores grande. Mas vencia em um quisito: tinha a mais rápida velocidade de processamento dos consoles (aproximadamente 7,6 Mhz contra 3,58 Mhz do Super Nintendo). Assim, deveria ter um jogo que realçasse a velocidade do console. O personagem teria como característica principal ser rápido. Então pensaram em um coelho, mas desistiram da idéia.

Nesta época, no Japão um bichinho de estimação estava fazendo muito sucesso: era um rato ouriço (também conhecido como hedgehog ), uma espécie que mesclava um rato com o ouriço. Sua aparência é realmente de um rato, mas tem espinhos por todo o corpo, por isso o Sonic não se parece tanto com um porco-espinho. Juntando esta característica com a de outras espécies de ouriço (como por exemplo a habilidade de se enrolar quando vê algum perigo e ficar mesmo da forma de uma bola) nasceu o personagem. O nome também deveria remeter a algo rápido o nome sugerido a principio foi "Super Sonic" mais adiante sendo simplificado apenas para Sonic que é como nós o conhecemos hoje.

Em sua primeira aparição num game, Sonic não era um personagem, fazia apenas parte do cenário. Sonic aparece pendurado em um chaveirinho, que fica pendurado no retrovisor do carro no famoso jogo de corrida Rad Mobile (1991) da SEGA.

Finalmente em 1991 é lançado o primeiro jogo com Sonic como personagem principal. O game revolucionou o mundo dos jogos eletrônicos com sua música, seu cenário tropical, seus gráficos bem definidos, as noções de profundidade da fase, a incrível velocidade de processamento do jogo e o design das fases e dos personagens. Sonic conquistou a todos e mudou para sempre a história dos games.

MONICA EVOLUTION

2010-06-12T09:41:00.000-03:00

Confira abaixo a evolução do desenho da personagem mais famosa de Mauricio de Souza.

MARGARIDA (Carlos Drummond de Andrade)

2010-06-11T12:17:00.000-03:00

A garota em êxtase brandiu o postal que recebera do namorado em excursão na Grécia :

- Coisa mais linda! Olha só o que ele escreveu: "Eu queria desfolhar teu coração como se ele fosse a mais margarida de todas as margaridas. "Marquinhos é genial, o senhor não acha?
- Pode ser que seja, não conheço Marquinhos. Se bem que antes da era Pierre Cardin, genial era Dante, Da Vinci, Einstein, outros assim. Mas essa frase não é de Marquinhos.
- Não é de Marquinhos?! Tá com a letra dele, assinada por ele.
- Estou vendo que assinou, mas é de Darío.
- Quem? O Darío, do Atlético Mineiro? Sem essa.
- Não minha florzinha, Darío, Rubén Darío, o poeta da Nicarágua.
- Não conheço. Então Rubén Darío falou para Marquinhos e Marquinhos achou bacana e pediu emprestado a ele?
- Tenho a impressão que o Marquinhos não pediu nada emprestado a Rubén Darío. Tomou sem consultar.
- Como é que o senhor sabe?
- É muito difícil consultar o Darío.
- Por quê? Ele não dá bola para gente? Não gosta da mocidade? É careta?
- Não é nada disso. O Darío não é encontrado em parte alguma.
- Ah, ele gosta de bancar o invisível, né?
- Não creio que goste, mas é exatamente o caso dele: invisível.
- Não dá para entender.
- Vai entender logo. Ele morreu em 1916.
- Ah! E como é que o Marquinhos descobriu essa margarida, me conte!
- Simples. Leu num livro de poemas de Rubén Darío.
- Marquinhos não é ligado a leitura. Duvido.
- Se não leu no livro, leu em alguma revista, em alguma parte.
- Hã...
Ficou tão triste- os olhos, a boca, a testa franzida- que achei de meu dever confortá-la:
- Que importância tem isso? A frase é de Darío, é de Marquinhos, é de toda pessoa sensível, capaz de assimilar o coração à margarida... Desculpe: à margarida.
Muxoxo:
- Se é de todos, não é de ninguém, não vale nada.
- Pelo contrário. Fica valendo mais, torna-se sentimento universal.
- Ah, o senhor está por fora. Eu queria a margarida só para mim. Copiada não tem graça. A graça era imaginar Marquinhos, muito sério, desfolhando meu coração transformado em margarida, para saber se eu gosto dele, um pouquinho, bastante, muito loucamente, nada. E a margarida sempre com uma pétala escondida por baixo da outra, entende? Para ele não ter certeza, porque essa certeza eu não dava... Era gozado.
- Continue imaginando.
- Agora não dá pé. Marquinhos roubou a margarida, quis dar uma de poeta. Não colou.
- Espere um pouco. Eu disse que a margarida era de Rubén Darío? Esta cabeça! Esquece, minha filha. Agora me lembro que Rubén Darío nem podia ouvir falar em margarita, começava a espirrar, a tossir, ficava sufocado, uma coisa horrível. Alergia- que no tempo dele ainda não estava batizada. Pois é. Garanto a você, posso jurar que a margarida não é de Darío.
- De quem é então?
- De Marquinhos, ué.
- Tem certeza que nunca ninguém antes de Marquinhos escreveu a mais margarida de todas as margaridas"? O senhor lê milhões, pode me responder. Tem certeza?
- Absoluta. Marquinhos é genial, reconheço. Mas, por via das dúvidas, continue escondendo uma pétala de reserva, sim?
- Pode deixar por minha conta. Puxa, quase que eu parava de transar com o Marquinhos por causa do senhor. Agora tá legal, tchau, vovô!
Vovô: foi assim que ela me agradeceu a mentira generosa, a bandida.

RETRATOS DE UM BRASIL DESCONHECIDO

2010-06-10T17:22:00.000-03:00

A população indígena no Brasil passa de 700 mil pessoas. E o que sabemos sobre esse povo? Mesmo no século 21, nós não temos uma idéia clara sobre os índios brasileiros. A situação não é diferente do século 19, quando Rodolfo Bernardelli, um dos principais escultores brasileiros, fez do povo indígena o principal tema de suas obras.

José Maria Rodolpho Oscar Bernardelli nasceu em 1852, no México, onde viveu por poucos anos. Em companhia da família deixou seu país natal em 1866, passando pelo Chile e Argentina e fixando moradia no Brasil, primeiro no Rio Grande do Sul e depois no Rio de Janeiro. Todos os membros de sua família eram artistas: o pai era violinista, a mãe era bailarina, o irmão Henrique Bernadelli era pintor e seu segundo irmão, Félix Bernardelli era pintor e musico. Sendo assim, parece óbvio que desde jovem Rodolfo Bernardelli se interessava por artes. Aos 14 anos, seu interesse pela escultura era demonstrado pela curiosidade com que assistia às aulas do professor Chaves Pinheiro, um dos principais artistas da época. Diariamente, utilizando-se de pernas de pau, o garoto observava o trabalho do mestre através das janelas do atelier. Sua persistência levou o professor a se interessar por ele e em pouco tempo era convidado a participar das aulas. O próximo passo foi o ingresso na Academia Imperial de Belas Artes, o que aconteceu entre 1870 e 1876.

Em 1877, tendo recebido o prêmio de viagem ao exterior da AIBA, Rodolfo Bernardelli viajou para a Europa, a fim de se aperfeiçoar em Roma. Naquela cidade produziu alguns de seus principais trabalhos de temática religiosa, como Fabíola (1878).

No tema indianista, produziu a escultura Faceira, em 1880. Nela, Bernardelli não apresenta características étnicas. Seus cabelos estão presos em um penteado caprichoso demais para a representação de uma índia, os pés deveriam ser espalmados pelas caminhadas contínuas e pelo exercício de subir em árvores, as mãos deveriam ser descuidadas, e os músculos rijos pelas atividades desenvolvidas, e tudo isso, no entanto, não foi realizado pelo artista. Bernardelli rompe com a costumeira representação de tipo indígena e cria uma mulher excessivamente adornada, uma figura caricatural.

Em 1895, fez Moema, uma escultura em tamanho natural, feita cinco anos depois que Rodolfo Bernardelli assume a direção da Escola Nacional de Belas Artes. Obviamente, a obra se baseia no livro Caramuru de Santa Rita Durão. O momento representado é um dos trechos mais famosos do Caramuru: “‘Ah Diogo cruel!’ disse com mágoa. E sem mais vista ser sorveu-se n’água”. Nessa obra é possível notar que Bernardelli preferiu recorrer ao momento em que o corpo da índia afogada ainda não chegou completamente à praia, dando dessa forma grande intensidade dramática à cena.

Já o Guarani, realizado para o Monumento a José de Alencar, inaugurado em 1897, era a obra em baixo-relevo que mais agradava ao artista. No trabalho, Bernardelli criou algumas figuras com acentuado relevo e dispôs os personagens em planos diversos, sugerindo assim diferentes profundidades na composição. Os índios armados com tacapes, ou ainda, agachados ao pé de uma fogueira, revelam em sua expressão e atitude um caráter de agressividade. Bernardelli explora nesse trabalho os conceitos de selvageria e de aceitação do colonizador português, inspirado por personagens da literatura brasileira.

Com a estatueta Paraguaçu (1908), Bernardelli muda seu modo de representar o índio. Em vez de um personagem excluído da formação do país, em Paraguaçu vê-se o selvagem adaptado à civilização, que irá dar continuidade ao processo histórico do país. Nele, Bernardelli representa a índia colonizada, personagem do livro de Santa Rita Durão, que segura com naturalidade uma espingarda, a arma que Caramuru utilizou para surpreender os selvagens.

REMAKES: UM PRESENTE DE GREGO

2010-06-09T17:21:00.000-03:00

Que presente você daria para seu maior herói? Aí está uma pergunta difícil. É complicada a missão de homenagear aquela pessoa que foi sua referencia na juventude. Mas Hollywood decidiu dar aos maiores personagens da história do cinema um presente desprezível: remakes de suas obras.

Um remake é uma regravação de algo que já foi feito antes, mesmo que sua história seja modificada. Até certo ponto, a idéia não é ruim, pois alguns filmes antigos tinham um ótimo roteiro, mas não possuíam bons efeitos especiais. Portanto, na teoria um remake é uma coisa boa, pois serviria para aprimorar a qualidade dos efeitos especiais ou para corrigir um problema original de divulgação do filme que o fez não ter o sucesso que ele merecia. Mas, muitos estúdios estão fazendo remakes de obras perfeitas. O motivo é bem óbvio: obras-primas são raras e sucessos que voltam a tona lotam os cinemas. O problema é que a qualidade dos remakes dificilmente supera a dos originais.

Um exemplo bem recente disso é o filme Fúria de Titãs que reconta em 3D a história do filme de 1981. Nos EUA, o filme é considerado um sucesso de bilheteria. Antes mesmo de chegar ao Brasil havia arrecadado 388 milhões de dólares, levando a Warner Bros. A planejar o lançamento de “Fúria de Titãs 2″ na primavera americana de 2012. Mas, apesar dos efeitos especiais encherem os olhos, os fãs ficaram decepcionados com o enredo. A história básica é a mesma: o semi-deus Perseu (Sam Worthington), filho de Zeus (Liam Neeson), enfrenta demônios e bestas para salvar a bela Princesa Andrômeda (Alexa Davalos). O problema é que capricharam muito nos efeitos especiais e nas batalhas, mas não deram muita importância aos personagens. Perseu não é mais aquele personagem romântico e cativante; acabou ficando arrogante e prepotente. A Princesa Andrômeda pouco apareceu no filme e os guerreiros que acompanhavam Perseu tiveram fraca participação.

E é dessa forma que Hollywood vai sobrevivendo: com sucessos nas bilheterias e fiascos nas críticas, com filmes que lucram bilhões e decepcionam milhões. O próximo remake, que estréia em 27 de agosto no Brasil, é Karatê Kid, estrelado por Jackie Chan (A hora do rush) e Jaden Smith (filho de Will Smith) e dirigido por Harald Zwart (A pantera cor de rosa 2). Só nos resta esperar e torcer que ele entre para a pequena lista de remakes que agradaram a gregos e troianos.

Fúria de Titãs (Clash of the Titans, 2010)

Gênero: Ação

Origem: EUA

Estréia: EUA - 2 de abril de 2010

Estréia: Brasil - 21 de maio de 2010

Estúdio: Warner Bros.

Elenco

Sam Worthington (Perseus)

Liam Neeson (Zeus)

Ralph Fiennes (Hades)

Gemma Arterton (Io)

Izabella Miko (Athena)
Mads Mikkelsen (Draco)
Alexa Davalos (Andromeda)

ARTE DE BRINQUEDO

2010-06-08T08:19:00.000-03:00

Aproveitando o vídeo Building the Lego Millenium Falcon postado semana passada, decidi falar mais sobre o assunto. E quando se fala em arte feita com Lego, o primeiro nome a surgir é o do britânico Mike Timpson. Ele é famoso por recriar fotos históricas usando bonecos e peças do brinquedo.

Segundo o artista, um dos desafios de seu trabalho é que nem sempre se ncontra o boneco certo para determinada foto. Por exemplo, no caso da foto do beijo em Times Square ele conta que não havia um boneco de marinheiro e que acabou usando um piloto de avião para substituir o personagem. Stimpson afirmou ainda que, para a foto em que recriou a conhecida imagem do "rebelde desconhecido", o estudante chinês que ficou parado em frente a um tanque na Praça da Paz Celestial, a principal dificuldade foi encontrar, entre suas peças de Lego, quatro tanques de guerra idênticos para compor a fotografia. Em outros casos, como em fotos de momentos dramáticos, o sorriso desenhado nos bonecos também foi um problema para que as reproduções ficassem similares às fotos originais.

Abaixo, você encontra alguns de seus trabalhos mais famosos.

Stimpson conta que levou horas para conseguir montar os tanques na recriação da famosa cena na praça da Paz Celestial em 1989.

Famosa foto do beijo na times square.

A reconstrução da famosa fotografia de 1932 "Almoço no topo de um arranha-céu" por Charles Ebbets.

Este foi um dos raros trabalhos em que Mike Timpson usa photoshop para remover o algodão que suspende o bonequinho.

A foto clássica, de Joe Rosenthal, mostra americanos fincando sua bandeira na ilha japonesa de Iwo Jima, na reta final da 2ª Guerra. Assim como no original, não se vê o rosto dos soldados.

Foto do gol que Maradona fez com la mano de Dios no jogo contra a Inglaterra na dopa d 1986.

Protesto contra a perseguição de budistas no sul do Vietnã.

Famosa fotografia na guerra do Vietnã de Adams de 1968.

O OUTRO (Carlos Drummond de Andrade)

2010-06-06T09:28:00.000-03:00

- COMO DIZ O OUTRO ...

Que outro? E desde quando ele se chama Outro? Estranho nome, este, que não identifica, não responsabiliza, não consta de nenhum registro civil: Outro, nascido em tal data, em tal lugar, do sexo masculino. Porque nunca se diz: Como diz a outra? A outra não diz nada, limita-se a ouvir o Outro, se é que o ouve?

Depois, não é só um Outro. São muitos, são vagos, são indefinidos: os Outros. Que é que os outros vão dizer? Mas o outros nunca dizem nada, apenas se receia que eles digam alguma coisa desabonadora ou cruel. Quem costuma dizer, e é antes abonador, é o Outro. Mas abona escondido, sopra ou insinua a sentença oportuna, para que ela corra mundo sem que o Outro, pessoalmente, se comprometa. O Outro tem medo?

Tudo indica que o Outro é cúmplice de quem diz: Como diz o outro. Fornece-lhe juizos, anexins, glosas para circunstâncias que requeiram este ou aquele enunciado. Mas pode ser também que o Outro seja senhor daquele que diz que ele disse. Senhor poderoso e incógnito, que manda seus súditos semearem pelo mundo aquilo que convém ser semeado, visando a determinadas colheitas - de quê? Só o Outro sabe.

Mas o Outro existe realmente? Não será inventado na hora e no calor do interesse, da imaginação, do acaso? Quem é o Outro? Um sábio? Sabido? Pseudônimo, heterônimo? Quem sabe se o Outro não serei eu mesmo, como pretendia um outro, este conhecido, que disse: Je est un autre?

A idéia de eu ser o Outro de mim mesmo, ou de outro Outro, ou mesmo de outríssimos Outros, não chega a constituir matéria de meditação transcendental, na fórmula do Maharishi Mahesh Yogi. A todo instante sinto que há vários, senão muitos outros em mim, se bem que nenhum deles seja o tal Outro que costuma dizer coisas repetidas por outros. Também não ignoro que os outros me acham o outro, que em qualquer lugar, situação ou momento sou sempre o outro dos outros, e o serei sempre, inapelavelmente. Mas em nenhum momento, situação ou lugar terei sido nem serei jamais o misterioso e sábio Outro, de quem se repetem as palavras sábias ou simplesmente sabidas, do "como diz o outro".

Minha alteridade é incontroversa, com relação aos demais habitantes da Terra, assim como a alteridade dos demais habitantes com relação ao meu eu. Mas isso, multiplicando ao infinito os outros, e fazendo com que todos os sejamos cada vez mais, não chega a anular o sentimento do eu, que luta ferozmente, não digo por se afirmar: simplesmente por se saber existir, dentro do outrismo geral.

E por que o Outro diz certas coisas e omite outras, por que varia tanto no que diz conforme a boca a repeti-Io? O Outro é incoerente, na China emite conceitos totalmente diversos dos que são divulgados em Mato Grosso. Nesta mesma cidade do Rio, o Outro varia com os bairros, as profissões, o nível de cultura. O Outro são outros, quantos, quais?

Estou exagere tudo. A verdade é que o Outro não é muito citado ultimamente. Citam-se mais Barthes, Mendilov, Jakobson, Lévi-Strauss, Baccherozzo, Kastchen. Menos, Sartre, Toynbee, Lukács. O Outro, menos ainda, e há até alguns encabulados, que, arriscando-se a citá-Io, recorrem ao pretérito:

- Como dizia o outro ...

Dizia. Já não diz. Ou diz pouco, prudentemente parco, na maioria das vezes não diz nada. Está secando essa outrora fértil reserva de opiniões que fazia autoridade, sob a capa do anonimato.

Que diz agora o Outro? Quem é capaz de sabê-Io e transmiti-Io, se o Outro se fechou em copas e desmentirá tudo quanto se disser que ele disse? O Outro diz que vai chover? O Outro é capaz de desmentir e ameaçar-nos com processo, pois claro que a afirmação pluvial envolve delicadas responsabilidades, podendo espalhar a insegurança nacional. Por que vai chover? Chover é bom ou perigoso? O Outro garante que a chuva não tem segunda ou quinta intenção? O Outro pensou bem antes de dizer algo sobre a chuva?

Não. A frase correta seria:

- Como não diz o outro.

DESAFIOS DE UMA AMIZADE

2010-06-05T08:57:00.000-03:00

Aqui continuamos com a história da amizade entre o Cebolinha e o Fantasminha. Seguem-se duas tiras que mostram que uma amizade entre dois mundos nem sempre é fácil.

CONHECENDO O FANTASMINHA

2010-05-29T08:35:00.000-03:00

Depois de um começo inusitado, Cebolinha consegue fazer amizade com os novos moradores do Bairro do Limoeiro.

CONTINUANDO A MENTIR (Carlos Drummond de Andrade)

2010-05-28T09:07:00.000-03:00

OUTRO DIA, fulano ia pela calçada ...

Minto. Evidentemente, não ia pela calçada, lugar por onde não se vai, nem vem, a menos que se possua carro, e esta utilidade não figura em sua declaração de bens ao Imposto de Renda.

Fulano ia pois pela rua, lugar hoje mais propício ao pedestre ...

Outra mentira. Como se a rua houvesse tomado o papel da calçada, depois que a calçada tomou o papel da rua. Ora, todos sabemos que calçada e rua são a mesma coisa, na cidade moderna, e essa coisa é defesa ao cidadão imotorizado.

Portanto, Fulano não ia por lugar algum, mas este é outro beliscão à verdade, pois dessa ou daquela maneira, sem ser em terra ou no ar, não se sabe como, nem adianta saber, as pessoas continuam indo, andando, providenciando, vivendo.

Milagre dos tempos. Eu vou, tu vais, ele vai. Não há lugar para ninguém, fora de casa; contudo, inventamos lugar - inventar é a solução - e seguimos para nossos negócios, nossos amores, nossas vadiações, nosso tudo e mais alguma coisa.

Ia portanto Fulano - e peço que não me interrompam mais, isto é, peço a mim mesmo para não me interromper; pois estou cansado de começar e recomeçar retificando os arranhões à verdade, lei suprema da vida. Suprema? Ora, eis-me de novo mentindo e, o que é mais grave, mentindo em homenagem à verdade, para atribuir-lhe supremacia que nunca teve entre os homens.

Já me perturbo e, francamente, não sei como continuar, se apenas comecei e nem sequer este começo está assentado em terreno sólido, o terreno das afirmações indiscutíveis. Bem sei que Fulano é algo insofismável em sua realidade física; sei perfeitamente que ele ia de qualquer maneira, outro dia, a algum fim dele sabido e que não interessa investigar. Ou interessa? Será um conspirador contra as instituições, ele que toda a vida conheci morigerado, temente a Deus e ao governo, cumpridor de deveres e partidário da conciliação universal? Será que ultimamente ... ?

Sim, que ia ele fazer aquele dia, pois alguma coisa na certa ia fazer, e quem me garante que não mentira a vida inteira para mim, para o Imposto de Renda em particular e para as nações em geral? Não seria ele um dos agentes de Watergate, espião universal, disfarçado na modesta epiderme fulânica, para insinuar-se em meu bairro, onde não há segredos de Estado, e precisamente aí detectá-los, pois os segredos estão onde não podiam estar, e onde são encontrados é onde nunca estiveram ocultos?

Quem diria, hem? Conhecia-o há tantos anos, tanto chope bebemos juntos, e no fundo do chope estava a verdade. F-07, agente multinacional, infiltrado no coração da minha confiança. Sabia mentir, o safado. Ou sou eu que, suspeitando de sua dobrez, de resto sem o mínimo indício, ou por isso mesmo, pus-me a fantasiá-Io assim. Menti, supondo que talvez me mentisse. Resta-lhe o direito de mentir por sua vez, acusando-me de ladrão do cofre das almas na igreja do Carmo, que para assaltante de supermercado não dou, seria mentira demais. Sinto-me inerme, às mãos de Fulano, que tem o direito de atribuir-me as piores coisas, os atos mais estranhos, numerados ou não, as ações cometidas e as simplesmente pensadas, que são as mais graves de todas. Até o ponto de eu dizer-lhe: "Chega. Pois isto que acabas de dizer a meu respeito infelizmente é verdade, e sei lá o que descobrirás depois."

Paro aqui. Não direi que ele se dirigia ao Colégio Eleitoral, ou ao cursinho prévio para habilitar-se ao vestibular do dito Colégio, nem se existem vagas nesse estabelecimento e se o currículo estimula as competências. O que foi fazer Fulano outro dia, não há mais espaço, nem na calçada nem na rua nem no papel para narrá-Io ou adivinhá-lo, Esta é que é a verdade.

TALENTO BRASILEIRO CONQUISTANDO ESPAÇO

2010-05-27T09:05:00.000-03:00

m Limoeiro do Norte, no interior do Ceará, onde as carroças ainda disputam espaço com motos e bicicletas nas ruas, todos conhecem José Edilbenes Bezerra, de 36 anos, como "aquele que desenha". Desde os 18, quando deixou de fazer bicos em uma fábrica de filtros e de trabalhar como-servente de pedreiro, ele passa até onze horas por dia, incluindo sábados e domingos, sentado numa escrivaninha com o lápis em punho. Mesmo sem entender inglês nem nunca ter saído do país, Edilbenes é contratado exclusivo da poderosa DC Comics, a segunda maior editora de quadrinhos dos Estados Unidos, detentora de títulos como Batman e Superman. Os quadrinhos que desenha raramente chegam a uma das três bancas de Limoeiro, mas ele não se incomoda com isso. "Aqui todos sabem o que eu faço. VIra e mexe vem um garoto me mostrar uma ilustração e pedir dicas", diz Ed Benes, apelido pelo qual é conhecido no exterior. O cearense não é o único brasileiro do ramo a fazer sucesso nos Estados Unidos. O número de artistas nacionais que emprestam seus traços às editoras de quadrinhos americanas triplicou nos últimos quatro anos. Atualmente, outros 150 desenhistas e coloristas trabalham nesse mercado. A maioria faz 22 páginas por mês, o equivalente ao tamanho de uma edição. Como recebem de 50 a 500 dólares por página desenhada, sua renda mensal varia de 1 100 a 11 000 dólares.

Os desenhistas brasileiros são parte de uma indústria que movimenta anualmente, o com a venda de publicações, 330 milhões de dólares nos Estados Unidos. Neste ano, dos dez quadrinhos mais vendidos por mês, dois foram desenhados por artistas nacionais. O traço brasileiro não agrada só ao público: faz sucesso também entre os críticos. Em 2008, o gaúcho Rafael Grampá e os gêmeos Fábio Moon e Gabriel Bã, de São Paulo, venceram o Eisner Awards, premiação americana que é considerada "o Oscar dos quadrinhos". A equipe, que inclui dois outros desenhistas estrangeiros, ganhou com uma série de histórias sem balões em que os personagens são os próprios desenhistas. "Depois do prêmio. ficou muito mais fácil discutir novos projetos com as editoras", conta Moon. Hoje, ele e o irmão trabalham juntos em projetos para duas editoras internacionais.

O crescimento da participação de estrangeiros no mercado de quadrinhos americano (além dos brasileiros, também italianos e filipinos vêm ganhando espaço nele) deve-se principalmente à facilidade com que, graças à internet, as editoras identificam novos artistas e recebem deles os desenhos. Além disso, o preço de página de um iniciante estrangeiro é menor do que o de seu equivalente americano. “Enquanto um brasileiro que está começando cobra, no máximo, 75 dólares por página, um americano não trabalha por menos que isso', diz Joseph Rybandt, editor da Dynamite Entertainment. "Claro que, quando eles ficam mais renomados, o salário acaba se igualando", diz.

As agências especializadas, que se encarregam de fazer a ligação entre artistas e editoras, são outro elemento facilitador na contratação de estrangeiros pelos americanos. Segunda Chris Allo, coordenador de talentos da Marvel Comics, grande parte dos desenhistas brasileiros não fala inglês e, portanto, não entende os roteiros originais das histórias que ilustra. As agências é que se encarregam de fazer a tradução. Ed Benes usa esse tipo de serviço. Mas, quando tem de se comunicar com o intermediário que vende originais de seus trabalhos a fãs nos Estados Unidos (ao preço de até 10 000 dólares cada desenho), recorre ao tradutor automático do Google. Mensalmente, ele recebe da DC Comics em torno de 8 000 dólares, descontados os 18% que ficam com a agência. O dinheiro o tornou um dos moradores mais ricos de sua cidade. Difícil é gastá-Ia, já que na pequena Limoeiro nem cinema tem. Para ver seus heróis na tela, o artista tem de viajar 200 quilômetros até Fortaleza.

Quando os primeiros desenhistas brasileiros começaram a ser contratados nos Estados Unidos, no fim da década de 80, os editores temeram que seus nomes soassem latinos demais para os ouvidos americanos. Ao sulmato-grossense Marcelo Campos, por exemplo, sugeriram que assinasse "Marc Fields". "Não gostei, mas acabei topando assinar como Marc Campos", diz. Um dos pioneiros do mercado, ele foi desenhista dos mutantes do X-Men e do Homem de Ferro, entre outros personagens. Hoje, Marc voltou a ser Marcelo e abriu uma escola de desenho em São Paulo, para ensinar garotos que aspiram um dia dar vida ao Superman ou mostrar uma batalha entre o Homem-Aranha e o Duende Verde na TImes Square - ainda que nunca tenham estado lá, como Ed Benes. Há algum tempo, o artista cearense foi convidado pela DC Comics para participar de uma convenção de quadrinhos em San Diego, na Califórnia. "Tudo pago, mas eu não quis ir. Nem passaporte eu tenho, e daria muito trabalho para tirar." Ed chegou a morar em São Paulo, mas não gostou da experiência. "Lá é um desassossego só. Não quero sair daqui, não." Nem precisa. De Limoeiro do Norte, seus desenhos já dão a volta ao mundo.

FICÇÃO CIENTÍFICA PARA TODOS OS GOSTOS

2010-05-26T08:30:00.000-03:00

Dois dos filmes de ficção científica mais importantes de 2009 custaram, juntos, 10 vezes menos que o novo Star Trek. E mais importante: estiveram entre as produções mais celebradas no Sundance, o maior festival de filmes independentes do mundo, em 2008 e 2009. Nada mal para um gênero que raramente sai do mundo de altos orçamentos (e de mesmice) dos grandes estúdios. O mais recente deles é Moon ("Lua"). Trata-se de um thriller psicológico em que um homem isolado há 3 anos na Lua acaba encontrando outra pessoa ali: ele mesmo. Um filme tão inteligente quanto barato, com orçamento de US$ 5 milhões. O de 2008 é Sleep Dealer ("Traficante de Sono"): ali, mexicanos fazem trabalhos braçais nos EUA sem atravessar a fronteira: emprestam sua consciência para robôs via rede. Em suma, um filme mais cerebral e outro mais pé no chão, mas que, cada um à sua maneira, trazem uma lufada de ar fresco ao gênero que já produziu clássicos como estes aqui embaixo.

É DE CAIR O QUEIXO

2010-05-25T09:28:00.001-03:00

Abaixo tem dois videos que deixam qualquer um de boca aberta. O primeiro mostra um desenho (com boa medida de perfeição) da Mona Lisa feita no Paint. É simplesmente incrível. E se gostar, nos "videos relacionados" você encontrará muitos outros desenhos fantásticos feitos da mesma forma.

O segundo vídeo não é menos surpreendente. A maior parte das crianças já brincaram de Lego. Agora fazer sculturas com esse brinquedo é algo muito difícil. Agora, transformar essa tarefa num vídeo de stop motion com bonequinhos é uma tarefa quase impossível. Pois David Gunstensen conseguiu e o vídeo é incrível.

DE VOLTA AO CLÁSSICO

2010-05-24T09:11:00.000-03:00

Um dos personagens mais amados dos games vai viver uma nova aventura. Em Sonic The Hedgehog 4 Episode I, a Sega apresenta o porco-espinho Sonic no bom e velho estilo clássico 2D. Abaixo você pode assistir ao trailer.

O que tem isso de espetacular? Depois de tantas variações desastrosas do jogo, os fãs agradecem poder ver o Sonic do jeitinho em que conquistou o mundo. E realmente não foi fácil a vida do mascote da Sega. Explorando seu personagem mais cativante, a Sega já fez de tudo: desde jogos em que Sonic sai na pancadaria com outros personagens (Sonic the Fighter de 1996) até corridas de carros (pode parecer piada, mas em 1995 nos jogos Sonic Drift, 1 e 2, o personagem mais rápidos dos games precisa pisar no acelerador). Mesmo jogos no estilo aventura foram modificados (como o Sonic 3D Blast de 1996), fazendo o personagem perder seu brilho. Ok, exagerei nessa ultima frase. Sonic fez parte da infância e adolescência de muita gente e, por isso, mora em nosso coração. Por isso O ESPAÇO DAS ARTES trará todas as semanas matérias especiais sobre o surgimento do Sonic e suas principais aventuras.

POLÊMICA NO CINEMA

2010-05-23T09:18:00.002-03:00

Em sua grande maioria, as histórias nos filmes são ficções, o que é uma coisa boa, afinal de contas nós queremos assistir um filme para nos divertir. Mas, devido a sua popularidade, o cinema tem a obrigação de criar obras que façam as pessoas analisarem de forma crítica o sistema. O problema é que esse tipo de filme é raro, deixando indignados diretores que tem uma visão mais idealista sobre o cinema. Entre eles está o ganhador de três Oscar’s Oliver Stone, que recentemente fez críticas a diretores de cinema que fazem grandes filmes, mas sem "mensagens e valores". O cineasta, que preferiu não dar nomes, disse que há "diretores fabulosos" que "estão completamente pervertidos em termos históricos". Por isso, afirmou, o resultado dos filmes é "horrível", mesmo tendo recebido indicações ao Oscar.

De fato, Oliver Stone sempre deixou claro sua opinião, principalmente em seus filmes que sempre pautaram a uma boa controvérsia. Ótimos exemplos disso são os filmes JFK - A Pergunta Que Não Quer Calar (JFK, 1991), Nixon (Nixon, 1995) e agora W. (W. 2008), uma crônica dramatizada sobre a personalidade e o governo de George W. Bush. Oliver Stone dedicou grande parte de seu cinema a figuras influentes e momentos polêmicos da história, americana ou não. Essa tendência engloba desde o amigo Fidel Castro – nos documentários Comandante (2003) e Looking for Fidel (2004) - até um ícone do rock, como Jim Morrison, em The Doors (1991). Mas nenhum tema ocupou tanto suas idéias como a Guerra do Vietnã, visitada na trilogia composta de Platoon (Platoon, 1986), Nascido em 4 de Julho (Born on the Fourth of July, 1989) e Entre o Céu e a Terra (Heaven &Earth, 1993). O próprio Stone – nascido em Nova York em 15 de setembro de 1946 - em 1967 largou a Universidade de Yale, onde estudava artes, para se alistar e lutar nas trincheiras próximas à fronteira com o Camboja. Foi ferido e condecorado. Até esse momento, sua trajetória parecia com a do novato e idealista soldado Chris Taylor, o protagonista de Platoon, inclusive no que diz respeito a fumar maconha, hábito que levaria o diretor a ser detido e preso no México aos 21 anos e ainda hoje lhe cria situações embaraçosas com a polícia.

No retorno aos Estados Unidos, Stone estudou cinema na New York University, onde foi colega de nomes como Martin Scorsese. Nesse período, realizou seu primeiro curta-metragem, Last 1 Year in Viet Nam (1971), trabalho de estudante, mas que já apontava seus interesses. Três anos depois, Stone começa a rodar seus primeiros filmes, além de trabalhar como roteirista para outros diretores. Antes mesmo de se afirmar na direção, ganhou o primeiro Oscar pelo roteiro de O Expresso da Meia-Noite (Midnight Express, 1978), de Alan Parker. O prêmio impulsionou sua carreira, mas Stone teve de hipotecar a casa e contar com a ajuda de um produtor britânico para alavancar sua primeira produção de calibre como diretor. Salvador - O Martírio de um Povo (Salvador, 1986) abordava a ditadura em El Salvador visto pelos olhos de um jornalista (James Woods). A fita inaugurou a vertente política do cinema de Stone, quase sempre pautado por buscar fatos novos e reveladores acerca de momentos e personagens históricos. Platoon, o filme seguinte, elevou Stone ao primeiro time dos realizadores americanos e lhe rendeu o primeiro Oscar como diretor. A produção de inspiração autobiográfica unia qualidades raras para o período, especialmente ao trazer a público a Guerra do Vietnã como ela foi. Certa vez, Stone justificou o interesse pelo tema da guerra de forma mais ampla: "Nacionalismo e patriotismo são duas das forças mais diabólicas que conheço neste ou em qualquer outro século e causam mais guerras, mortes e destruição para a alma e a vida humana do que qualquer outra coisa." Os prêmios e a consagração mostraram que o diretor estava no caminho certo e que sua interpretação do Vietnã vinha para cutucar sem fantasia uma das feridas da história americana. A certeza confirmou-se no segundo e terceiro filmes sobre o tema. Com Nascido em 4 de Julho e Entre o Céu e a Terra, Stone fornecia variados pontos de vista do conflito. No primeiro título, adaptou o livro de Ron Kovic, que descreve seu retorno para casa como um herói mutilado (interpretado por Tom Cruise) e a difícil readaptação. No filme seguinte, a intenção ganhou contornos românticos na história de uma jovem vietnamita que se envolve com um militar America no (Tommy Lee Jones).

Nem sempre as figuras reais que interessam a Stone são poderosas como os presidentes que retratou. Um exemplo foi o radialista Alan Berg, que comandava um talk show de sucesso numa rádio de Denver, Colorado (EUA), quando foi assassinado por um grupo de extrema direita, em 1984. Berg inspirou o personagem Barry Champlain (Eric Bogosian) de Talk Radio - Verdades Que Matam (Talk Radio, 1988). Em seguida, veio The Doors (1991). Sobre a ascensão e morte do cantor e líder da banda, Jim Morrison (Val Kilrner).

Outro filme de grande repercussão foi Wall Street - Poder e Cobiça (Wall Street, 1987), sobre o trabalho estressante no mercado financeiro de Nova York, uma velha e milionária raposa da Bolsa de Valores (Michael Douglas) acolhe e ensina um ambicioso aprendiz (novamente Charlie Sheen) a progredir e ganhar muito dinheiro. O pai do diretor, Louis Stone, foi um corretor de ações que fez fortuna e possibilitou ao filho freqüentar as melhores escolas. Perdeu tudo mais tarde e separou-se da mulher quando Oliver Stone era ainda adolescente. Mas, nas férias com a mãe na França, onde ela nasceu, seu pai lhe arranjou empregos de verão na área financeira. O futuro diretor tinha, assim, uma experiência pronta para levar à tela.

Neste ano, Oliver Stone, que disse que não tem pensado em se aposentar em breve, apresentou em Cannes o filme "Wall Street - O dinheiro nunca dorme" (Wall Street: Money never sleeps), sequência do sucesso de 1987. Passados mais de 20 anos da primeira parte do filme (que volta a ter como ator principal Michael Douglas) o diretor demonstrou frustração ao ver que as normas de funcionamento de Wall Street não mudaram tanto como esperava. "Pensei que o sistema seria corrigido com o tempo, mas isso não aconteceu", lamentou Stone, cujo novo filme coloca em destaque a avareza do mundo das altas finanças e que foi rodado em plena explosão da atual crise financeira mundial.

No final deste mês, o diretor virá ao Brasil para divulgar o documentário "South of the border" ('ao sul da fronteira', em português), que aborda o avanço das forças políticas de esquerda na América Latina e registra sua viagem por cinco paísas da América Latina e as conversas com os presidentes Hugo Chavez, Evo Morales, Lula, Fernando Lugo, Rafael Correa, Raul Castro, Christina Kircher e seu mario e ex-presidente Nestor Kirchner. Vale a pena assistir ao trailer abaixo.

FILMOGRAFIA

2010 - Wall Street - O dinheiro nunca dorme (Wall Street: Money never sleeps)

2009 - Ao Sul da Fronteira (South of the Border)

2008 - W.

2006 - As Torres Gêmeas (World Trade Center)

2004 - Looking for Fidel

2004 - Alexandre (Alexander)

1999 - Um Domingo Qualquer (Any Given Sunday)

1997 - Reviravolta (U Turn)

1995 - Nixon

1994 - Assassinos por Natureza (Natural Born Killers)

1993 - Entre o Céu e a Terra (Heaven & Earth)

1991 - JFK - A pergunta que não quer calar (JFK)

1991 - The Doors

1989 - Nascido em 4 de Julho (Born on the Fourth of July)

1988 - Talk Radio

1987 - Wall Street - Poder e cobiça (Wall Street)

1986 - Platoon

1986 - Salvador - O martírio de um povo (Salvador)

1981 - A mão (The Hand)

1979 - Madman of Martinique (curta)

1974 - Seizure

1971 - Last Year in Vietnam (curta)

ESTÓRIAS DE TERRIR

2010-05-22T09:05:00.000-03:00

Em 1963 entra em cena nas tirinhas do Cebolinha uma turma cuja missão era espalhar o “terrir”. Sim, terrir, pois eles não são nem um pouco assustadores e só conseguem nos matar de rir. Segundo Mauricio de Sousa, o Fantasminha (que mais tarde ganhou o nome de Penadinho) foi criado "para desmistificar os medos e pavores que cercaram a infância". Baseado no Gasparsinho, o Penadinho é um fantasminha alegre e simpático, embora, as vezes, tente se distrair no cemitério tentando assustar alguém. Mas na maior parte das vezes, as aventuras só acontecem com seus amigos do outro mundo.

Alguns detalhes de sua vida pré-morte foram reveladas em algumas estórias. Por exemplo, aparentemente o Penadinho era muito alto quando vivo e até ganhou o Prêmio As Pernas Mais Bonitas, porém, ao estacionar um carro num ferro-velho foi esmagado e morto por um imã, e virou um fanstaminha baixinho (Almanaque do Cascão número 74, Editora Globo). Também sabemos que antes de morrer, Penadinho tinha uma namorada com quem quase se casou, mas agora, ele namora a fantasma Alminha.

Nas primeiras estórias, o Penadinho e sua família de fantasmas moravam numa casa abandonada no bairro do limoeiro. Com o passar dos anos, porém, Mauricio notou o potencial do personagem, mudou sua “residência” para o cemitério e lhe deu uma divertida turma, formada não apenas por fantasmas, mas também por outros seres da ficção e da mitologia. Assim, foram surgindo Cranicola, Muminho, Zé Vampir, Frank, Lobi, Zé Caveirinha, Dona Morte, Alminha e outros.

Veja abaixo como foi o encontro inusitado entre o Cebolinha e o Penadinho.

RECALCITRANTE (Carlos Drummond de Andrade)

2010-05-21T09:11:00.000-03:00

O trocador olhou, viu, não aprovou. Daquele passageiro, escanchado placidamente no banco lateral, escorria um fio de água que ia compondo, no piso do ônibus, a microfigura de uma piscina.

- Ei, moço, quer fazer o favor de levantar?

O moço (pois ostentava- barba e cabeleira amazônica, sinais indiscutíveis de mocidade), nem-te-Iigo.

O trocador esfregou as mãos no rosto, em gesto de enfado e desânimo, diante de situação tantas vezes enfrentada, e murmurou:

- Estes caras são de morte.

Devia estar pensando: Todo ano a mesma coisa. Chegando o verão, chegam problemas. Bem disse o Dario, quando fazia gol no Atlético Mineiro: Problemática demais. Estava cansado de advertir passageiros que não aprendem como viajar em coletivo. Não aprendem e não querem aprender. Tendo comprado passagem por 65 centavos, acham que compraram o ônibus e podem fazer dele casa-da-peste. Mas insistiu:

- Moço! Ô moço!

Nada. Dormia? Olhos abertos, pernas cabeludas ocupando cada vez mais espaço, ouvia e não respondia. Era preciso tomar providência:

- O senhor aí, cavalheiro, quer cutucar o braço do distinto, pra ele me prestar atenção?

'O cavalheiro, vê lá se ia se meter numa dessas. Ignorou, olímpico, a marcha do caso terrestre.

Embora sem surpresa, o cobrador coçou a cabeça. Sabia de experiência própria que passageiro nenhum quer entrar numa fria. Ficam de camarote, espiando o circo pegar fogo. Teve pois que sair do seu trono, pobre trono de trocador, fazendo a difícil ginástica de sempre, Bateu no ombro do rapaz:

- Vamos levantar?

O outro mal olhou para ele, do longe de sua distância espiritual. Insistiu:

- Como é, não levanta?

- Estou bem aqui.

- Eu sei, mas é preciso levantar.

- Levantar pra quê?

- Pra que, não. Por quê. Seu calção está molhado de água do mar.

- Tem certeza que é água do mar?

- Tá na cara.

- Como tá na cara? Analisou?

Forrou-se de paciência para responder:

- Olha, o senhor está de calção de banho, o senhor veio da praia, que água pode ser essa que está pingando se não for água do mar? Só se ...

- Se o quê?

- Nada.

- Vamos, diz o que pensou.

- Não pensei nada. Digo que o senhor tem de levantar porque seu calção está ensopado e vai fazendo uma lagoa aí embaixo.

- E daí?

- Daí, que é proibido.

- Proibido suar?

- Claro que não.

- Pois eu estou suando, sabe? Não posso suar sentado, com esse calorão de janeiro? Tenho que suar de pé?

- Nunca vi suar tanto na minha vida. Desculpe, mas a portaria não permite.

- Que portaria?

- Aquela pregada ali, não está vendo? "O passageiro, ainda que com roupa sobre as vestes de banho molhadas, somente poderá viajar de pé."

- Portaria nenhuma diz que o passageiro suado tem que viajar de pé. Papo findo tá bom?

- O senhor está desrespeitando a portaria e eu tenho que convidar o senhor a descer do ônibus.

- Eu, descer porque estou suado? Sem essa.

- O ônibus vai parar e eu chamo a polícia.

- A polícia vai me prender porque estou suando?

- Vai botar o senhor pra fora porque é um... recalcitrante.

O passageiro pulou, transfigurado:

- O quê? Repita, se for capaz.

- Re. .. calcitrante.

- Te quebro a cara, ouviu? Não admito que ninguém me insulte!

- Eu? Não insultei.

- Insultou, sim. Me chamou de réu. Réu não sei o quê, calcitrante, sei lá o que é isso. Retira a expressão, ou lá vai bolacha.

- Mas é a portaria! A portaria é que diz que o recalcitrante ...

- Não tenho nada com a portaria. Tenho é com você, seu cretino. Retira já a expressão, ou ...

Retira não retira, o ônibus chegou ao meu destino, e eu paro infalivelmente no meu destino. Fiquei sem saber que conseqüências físicas e outras teve o emprego da palavra "recalcitrante".

A ESTRELA VOLTARÁ A BRILHAR

2010-05-20T08:53:00.000-03:00

”Uma atriz não é uma máquina, mas eles te tratam como se fosse. Uma máquina de fazer dinheiro.”

Esta era a forte opinião de Marilyn Monroe, a maior estrela hollyoodiana de todos os tempos. Apesar de todos os seus filmes a retratarem como uma mulher inocente e sensual (em 1999, por exemplo, ela foi votada a mulher mais sensual do século 20 pela revista Playboy e a mulher mais sexy do mundo pela “People´s Magazine”), Marilyn não era apenas mais um rostinho bonito. Além de ser uma grande atriz, ela foi uma mulher inteligente e com muita determinação, o que a ajudou a enfrentar os muitos obstáculos para chegar ao sucesso.

E o que não falta são obras retratando sua vida fora da telona. Além de inúmeras biografias, a vida de Marilyn foi retratada em uma minissérie americana em 2001 e logo vai ter sua vida levada aos cinemas. Segundo o Total Film, o filme será baseado na biografia fictícia da atriz, “Blonde”, escrita por Joyce Carol Oates e terá como intérprete a atriz inglesa Naomi Watts (“Trama Internacional”). O longa será dirigido por Andrew Dominik (“O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford”), que já teria escrito uma prévia do roteiro. Segundo ele, Marilyn será retratada como “a figura central em um conto de fadas; uma criança órfã perdida na selva de Hollywood, sendo consumida por este grande ícone“. As filmagens começam em janeiro do ano que vem. Além de “Blonde”, outro filme está sendo produzido sobre a vida da atriz. O diretor de TV Simon Curtis será o responsável pelo filme “My Week With Marilyn”, que trará a atriz Michelle Williams (“A Ilha do Medo”) no papel principal.

Portanto, se em fevereiro de 1953, Marilyn foi nomeada “Mulher que mais Apareceu na Mídia no Mundo” pelo Advertising Association of the West, no século 21 ela estará mais viva do que nunca. Para você se preparar para esse lançamento imperdível, abaixo você poderá conferir um pouco da biografia da diva.

Marilyn Monroe nasceu no dia 1º de julho de 1926, em Los Angeles, Califórnia, filha de Gladys Baker. Como a identidade de seu pai era desconhecida, ela foi batizada como Norma Jeane Baker. Gladys trabalhava nos estúdios RKO como editora de filme, mas problemas psicológicos a impediram de permanecer no emprego e ela foi levada para uma instituição mental.

Norma Jeane passou grande parte de sua infância em casas de família e orfanatos até que, em 1937, ela mudou-se para a casa de Grace Mckee Goddard, amiga da família. Infelizmente, em 1942, o marido de Grace foi transferido para a costa Leste, e o casal não tinha condições financeiras para levar Norma Jeane, na época com 16 anos. Norma Jeane tinha duas opções: voltar para o orfanato ou se casar.

No dia 19 de julho de 1942, ela casou com Jimmy Dougherty de 21 anos, com quem estava namorando há seis meses. “Ela era uma menina doce, generosa e religiosa” disse Jimmy. “Ela gostava de ser abraçada”. Até então Norma Jeane amava Jimmy e eles estavam muito felizes juntos, até que ele entrou para a marinha e foi transferido para o Pacífico Sul em 1944.

Após a partida de Jimmy, Norma Jeane começou a trabalhar na fábrica Radio Plane Munition em Burbank, Califórnia. Alguns meses depois, o fotógrafo Davis Conover a viu enquanto tirava fotos de mulheres, que estavam ajudando durante a guerra, para a revista Yank. Ele não acreditou na sua sorte. Ela era um “sonho” para qualquer fotógrafo. Conover a utilizou para a seção de fotos e começou a lhe enviar propostas de trabalho como modelo. As lentes adoravam Norma Jeane, e em dois anos ela tornou-se uma modelo respeitável e estampou seu rosto em várias capas de revistas. Ela começou a estudar o trabalho das lendárias atrizes Jean Harlow e Lana Turner, e inscreveu-se em aulas de teatro sonhando com o estrelato. Porém, Jimmy retornou em 1946, o que significou que Norma Jeane tinha que fazer outra escolha, dessa vez entre seu casamento e sua carreira.

Norma Jeane se divorciou de Jimmy em Junho de 1946, e assinou seu primeiro contrato com a Twentieth Century Fox em 26 de agosto de 1946. Ela ganhava $125 por semana. Pouco tempo depois, tingiu seu cabelo de loiro e mudou seu nome para Marilyn Monroe (Monroe era o sobrenome de sua avó). O resto, como dizem, virou história.

O primeiro papel de Marilyn em um filme foi uma participação, em 1947, em Sua Alteza, a Secretária (The Shocking Miss Pilgrim). Continuou a fazer pequenas atuações e, a partir de 1950, passou a ter papéis mais influentes. No entanto, foi sua performance em Torrentes de Paixão (Niagara), 1953, que a tornou estrela. Marilyn fez o papel de Rose Loomis, uma jovem e bela esposa que planeja matar seu velho e ciumento marido (Joseph Cotten).

O sucesso de Marilyn em Torrentes de Paixão a rendeu os papeis principais em Os Homens Preferem as Louras (Gentlemen Prefer Blondes) e Como Agarrar um Milionário (How to Marry a Millionaire). A revista Photoplay votou Marilyn como melhor atriz iniciante de 1953, e aos 27 anos de idade ela era sem dúvida a loira mais amada de Hollywood.

No dia 14 de janeiro, 1954, Marilyn casou com o jogador de baseball Joe DiMaggio, em São Francisco, Califórnia. Eles namoravam durante dois anos quando Joe pediu a seu agente que organizasse um encontro para os dois jantarem e a pediu em casamento. “Eu não sei se estou apaixonada por ele ainda,” disse Marilyn à imprensa logo no início de seu relacionamento, “mas eu sei que eu gosto dele mais do que qualquer homem que já conheci”. Durante sua lua de mel em Tokyo, Marilyn fez uma performance para os militares que estavam servindo na Coréia. A sua presença causou quase um motim, e Joe estava claramente incomodado com aqueles milhares de homens desejando sua mulher.

Infelizmente a fama de Marilyn e sua figura sexual tornaram-se um problema em seu casamento. Nove meses depois, no dia 27 de outubro de 1954, Marilyn e Joe se divorciaram. Eles atribuíram a separação a “conflitos entre carreiras”, e permaneceram bons amigos.

Em 1955, Marilyn estava pronta para livrar-se da imagem de furacão loiro. Isso tinha dado a ela o estrelato, mas agora que ela tinha a oportunidade e a experiência, Marilyn queria seguir com seriedade a carreira de atriz. Ela mudou-se de Hollywood para Nova York para estudar na escola de atores de Lee Strasberg. Em 1956 Marilyn abriu sua própria produtora, Marilyn Monroe Productions. A empresa produziu Nunca Fui Santa (Bus Stop) e O Príncipe Encantado (The Prince and the Showgirl). Esses dois filmes serviram para Marilyn mostrar seu talento e versatilidade com atriz. Marilyn foi reconhecida pelo seu trabalho em Quanto Mais Quente Melhor (Some Like it Hot), 1959, e venceu o Golden Globe de melhor atriz em uma Comédia.

Lamentavelmente, o pior aconteceu na manhã do dia 5 de agosto de 1962, aos 36 anos Marilyn faleceu enquanto dormia em sua casa em Brentwood, Califórnia. O mundo estava em choque. O brilho e a beleza de Marilyn faziam parecer impossível que ela tivesse deixado a todos. No dia 8 de agosto de 1962, o corpo de Marilyn foi velado no Corridor of Memories, nº 24, no Westwood Memorial Park em Los Angeles, Califórnia.

Durante sua carreira, Marilyn atuou em 30 filmes e deixou por terminar Something's Got to Give. Ela foi mais do que uma estrela de cinema e rainha do glamour. Um verdadeiro furacão durante toda sua vida, a popularidade de Marilyn foi muito além de qualquer ícone. Hoje o nome “Marilyn Monroe” é sinônimo de beleza, sensualidade e glamour. Ela continua sendo uma inspiração para todos aqueles que lutam pelos seus ideais e superam os obstáculos.

Pede mais uma que é por minha conta...

2010-05-19T08:51:00.000-03:00

"Gosto de pensar na vida do vinho. Como é algo vivo. Gosto de pensar no que se passou quando as uvas cresciam, como o sol brilhava, se chovia. Gosto de pensar em quem cuidou e colheu as uvas,e , se for um vinho velho, quantas dessas pessoas devem estar mortas.

Eu gosto do modo como o vinho continua a evoluir.

Se abrir uma garrafa hoje, terá um gosto diferente de outro dia em que eu a abrisse.

Porque uma garrafa de vinho está de fato viva e constantemente evoluindo e ganhando complexidade.

Quero dizer, até chegar ao seu auge,

como o seu 61,

e então começa o seu contínuo e inevitável declínio.

E tem um gosto bom demais."

Maya

Sim, ela está falando de vinho, mas ela fala dele de uma forma tão humana!
É exatamente assim que o vinho é tratado durante o filme, uma verdadeira aula de degustação.
Para os apreciadores de vinho é um prato cheio.
Pra quem não gosta de romances dramático ou meloso (meu caso!) é uma excelente pedida.
Pra quem estuda a espécie masculina, é uma mão na roda.
O filme é excelente, a história é divertidíssima e as cenas excluídas não podem deixar de ser conferidas.

Miles Raymond (Paul Giamatti) é um homem depressivo, que tenta se tornar um escritor. Miles é fascinado por vinhos e decide dar como presente de despedida de solteiro a Jack (Thomas Haden Church), seu melhor amigo, uma viagem pelas vinículas do Vale de Santa Inez, na California. Eles partem juntos na viagem, mas logo se envolvem com duas mulheres. Jack conhece Stephanie (Sandra Oh), a funcionária de uma vinícola local, que faz com que ele queira anular seu casamento, que está marcado para daqui a poucos dias. Já Miles se interessa por Maya (Virginia Madsen), uma garçonete que tem o mesmo apreço por vinho que ele.

título original: Sideways

gênero:Drama
duração:02 hs 03 min
ano de lançamento:2004
site oficial:http://www2.foxsearchlight.com/sideways/
estúdio:Fox Searchlight Pictures / Sideways Productions Inc. / Michael London Productions
distribuidora:20th Century Fox Film Corporation
direção: Alexander Payne
roteiro:Alexander Payne e Jim Taylor, baseado em livro de Rex Pickett

UMA VIAGEM PITORESCA AO BRASIL

2010-05-18T09:27:00.000-03:00

Como o Brasil é visto pelo mundo? Muitos comediantes satirizam o tema, brincando que para os estrangeiros o Brasil se resume a três palavras: samba, carnaval e caipirinha. Ainda assim, muitos estrangeiros mostraram um retrato fiel do Brasil ao voltarem para suas pátrias.

Em Novembro de 1807, D. João VI decidiu transferir da corte portuguesa para o Brasil, temendo um ataque de Napoleão. Mas obviamente Le queria continuar a desfrutar tudo o que a Europa considerava civilizado. Além de abrir portos brasileiros para as nações amigas, fundar o Banco do Brasil e fomentar a indústria, D. João VI desejava estimular a vida cultural, especialmente no Rio de Janeiro. Depois da derrota de Napoleão em 1815, o Brasil convidou alguns artistas franceses para que trouxessem para o Brasil elementos louváveis e desejáveis da civilização francesa.

Em 26 de março de 1816, no Rio de Janeiro, um grupo de artistas e artífices franceses aportou do navio Calpe. Entre os artistas estava Jean-Baptiste Debret, que desenvolveu uma profunda relação pessoal e emocional com o Brasil, adquirida nos 15 anos em que viveu aqui. Em 1831 o pintor voltou à França e ali publicou entre 1834 e 1839 a obra Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil (Voyage Pittoresque et Historique au Brésil), sendo composta de 153 pranchas, acompanhadas de textos que elucidam cada retrato. Nela Debret tenta mostrar aos leitores - em especial europeus - um panorama que mudasse a simples visão de um país exótico e interessante apenas do ponto de vista da história natural. Mais do que isso, tentou criar uma obra histórica; mostrar com detalhes e minuciosos cuidados a formação - especialmente no sentido cultural - do povo e da nação brasileira; procurou resgatar particularidades do país e do povo, na tentativa de representar e preservar o passado do povo, não se limitando apenas a questões políticas, mas também a religião, cultura e costumes dos homens no Brasil. Seu desejo, segundo ele, era “compor uma verdadeira obra histórica brasileira, em que se desenvolve progressivamente uma civilização que já honra esse povo, naturalmente dotado das mais preciosas qualidades, o bastante para merecer um paralelo vantajoso com as nações mais brilhantes do antigo continente.”

O livro é dividido em 3 tomos: no primeiro de 1834 estão representados índios, aspectos da mata brasileira e da vegetação nativa em geral.

O segundo tomo, de 1835, concentra-se na representação dos escravos negros, no pequeno trabalho urbano, nos trabalhadores e nas práticas agrícolas da época.

Já o tomo terceiro, de 1839, trata de cenas do cotidiano, das manifestações culturais, como as festas e as tradições populares.

ENTREVISTA COM LAÍS BODANZKY

2010-05-17T09:12:00.001-03:00

Laís Bodanzky é formada em cinema pela FAAP e estreou na direção em 1994 com o curta-metragem "Cartão Vermelho", sobre uma menina que vive entre moleques e descobre a sexualidade. Além de vários prêmios nacionais, foi selecionado para o New York Film Festival de 1995.

Em 2000 cumpriu a promessa que havia feito aos 26 anos - lançar seu primeiro longa-metragem ao completar três décadas de vida - e dirigiu o premiadíssimo longa "Bicho de Sete Cabeças" (48 prêmios no Brasil e exterior). Laís dirigiu também, em parceria com o marido Luiz Bolognesi, o documentário "Cine Mambembe", o cinema descobre o Brasil, baseado no projeto da dupla de exibição itinerante de filmes brasileiros para pessoas que não têm acesso às salas de cinema.

A partir de 2004 o projeto se transformou em uma sala de cinema itinerante com estrutura de primeiro mundo e passou a se chamar Cine Tela Brasil. O projeto já circulou por 98 municípios dos estados de São Paulo, do Rio de Janeiro e Paraná, apresentando filmes nacionais infantis e para adultos a mais de 230 mil espectadores.

Em 2007, idealizou as Oficinas de Vídeo Tela Brasil, que têm como objetivo oferecer ferramentas de criação e expressão através do audiovisual às comunidades de baixa renda. Sua formação também vem do teatro: Laís trabalhou com Antunes Filho em 1989. Em 2005 dirigiu a peça "Essa Nova Juventude" (duas indicações para o prêmio Shell: ator e cenografia).

Abaixo você vê uma entrevista em que Laís Bodanzky fala sobre seu último trabalho, o longa As Melhores Coisas do Mundo.

Como surgiu o convite para fazer um filme como As Melhores Coisas do Mundo?

A história desse projeto é muito interessante. Ele veio a convite da Gullane e da Warner Bros., e com ele, carta branca para executá-lo como quisesse. Foi um convite muito tentador, mas também provocativo, pois tínhamos, ali, que emprestar a nossa maneira de ver o mundo. O filme tem um formato diferente dos meus outros dois trabalhos “Bicho de Sete Cabeças” e “Chega de Saudade”.

Como se deu a escolha dos atores jovens para a trama? E, o trabalho para sua preparação?

O elenco principal, secundário e figuração, foram selecionados entre 2500 jovens estudantes em fase escolar. Se tornaram atores vivendo pela primeira a experiência da atuação neste filme. A escolha gradativa do elenco nos deu mais segurança. O processo de seleção já era uma semi preparação para os atores. Os testes já eram bem focados. Quando começamos de fato a preparação de elenco, não começamos do zero.

Como foram esses testes?

Partimos da idéia que não deveríamos explicar quem eram os personagens. Quando se dá apenas algumas informações e situações chaves ao ator, ele é capaz de fazer o jogo sem a caricatura. Quando você delimita o personagem, a pessoa quer mostrar tanto seu conhecimento sobre ele, que acaba caindo na teatralidade. Sem perceberem, eles se apropriaram muito bem dos personagens.

Como é a sua relação de diretora com o trabalho do ator?

Gosto de trabalhar com atores que de uma forma contribuam, que sejam co-autores. Mas, essa demanda precisa ser oferecida por eles. É um pingue-pongue. É muito bom quando você vê um ator argumentando, refletindo sobre o universo da personagem. No caso de “As Melhores Coisas do Mundo”, naturalmente, existe o conhecimento de mundo da vida deles (dos jovens). Os personagens se assemelham à vida real. Esses jovens tinham muito mais intimidade com o tema do que eu. Falavam com muita propriedade. Brinco que nesse filme eu tinha consultoria online.

O que a convenceu a dirigir um filme como “As Melhores Coisas do Mundo”?

O universo adolescente não é retratado no cinema brasileiro. Quando é retratado é de maneira caricatural. E, esse, é um público ávido por informação. Esse recorte me encantou. Falar do adolescente e para eles. Ou seja, usando a linguagem deles. Falar com sinceridade sem ser de cima para baixo.

Como foi a pesquisa de campo para a construção do roteiro de “As Melhores...”?

Foram realizados grupos de pesquisas em diferentes colégios de São Paulo, num total de sete instituições. Cada escola tinha um critério, entre as perguntas que fazíamos estavam como deveríamos falar e como não devemos fazer um filme que retratasse a sua realidade. Essas conversas eram muito íntimas. Eu mesma até chorei. Fiquei emocionada ao ver que o adolescente quando percebe um espaço em que pode falar, desabafa. E a gente até se assusta. Ele se entrega mesmo. Eram sempre conversas fortes. Através dessas conversas consegui levantar pontos comuns entre eles. E, um deles é que o adolescente fica mais tempo na escola do que na sua casa. Eles faziam questão de dizer que a família são seus amigos, aqueles com quem você convive. Queríamos trazer isso para o filme. Por isso, o universo da escola não podia ficar fora do filme.

Gostaria que você comentasse sobre os eixos escolhidos para tratar no filme, como a questão da ética e cidadania.

Em “As Melhores Coisa do Mundo” não precisamos forçar a barra quanto aos assuntos que foram trazidos à trama. Esses jovens falam de cidadania e ética sem perceber no seu dia a dia. No universo da casa, com a família os adolescentes funcionam como verdadeiras esponjas. Ouve comentários e acaba digerindo e volta para o mundo da forma como ele mesmo entendeu, não quisemos dar um tom didático.

Gostaria que você comentasse sobre uma das cenas mais sensíveis do filme, o momento em que a personagem Camila quebra os ovos...

Não sei se vou ter a sorte de fazer uma cena como essa novamente. Tão simples e ao mesmo tempo tão complexa. É uma cena que costumo dizer que é agridoce, você ri e chora ao mesmo tempo. Confesso que tinha medo dessa cena por ter um tom melodramático. Mas, durante a leitura do roteiro, a cena dos ovos era a que se destacava entre os adolescentes. A cena não foi ensaiada. No dia da filmagem, conversamos melhor sobre ela para darmos uma coerência para a ação. E, então, pontuei: primeiro um ovo cai e esse ovo que cai sem querer acaba sendo a gota d'água. O menino, como observador, transforma aquela gota d'água da mãe numa brincadeira, porque ele tem leveza pra isso.

Como foi trabalhar com atriz Denise Fraga e atores novatos como Francisco Miguez e Fiuk?

A Denise veio com muito desejo de interpretar a Camila, pois ela também é mãe. Entendeu muito bem o Francisco com o seu “abacaxi” de ter que carregar o filme nas costas, por ser o protagonista. A Denise deixou o Francisco chegar. Teve muita classe e muita humildade para que ele se sentisse à vontade. O Francisco é um menino muito reservado. Já o Fiuk é mais expansivo. Mais caloroso, se jogou de cabeça na figura de Pedro. O interessante é que a personalidade antagônica de ambos dá a configuração necessária para interpretarem irmãos. Fiuk tem carinho pelo seu personagem Pedro. Ele sofre com suas angústias. Desde o primeiro momento vi que estava de frente de um ator maduro. Ele conseguia compreender a dor do personagem. É um ator que consegue se dividir entre ser o personagem e ao mesmo tempo estar deslocado, com um olhar crítico e ultra consciente do trabalho que está exercendo.

Como trabalhar assuntos tabus, resultados de uma sensibilidade intensificada e que, na maioria das vezes, é levada às últimas consequências como no caso do personagem Pedro (interpretado por Fiuk)?

A questão do viver intensamente é algo que toca a humanidade. Com o passar do tempo, o resultado desse sentimento pôde ser identificado diante de experiências como a de um amor utópico, ou de uma dor muito forte. É algo que aflora principalmente na fase da adolescência. Resolvi trazer, então, esse sentimento para o filme e mostrá-lo com pode ser levado às últimas conseqüências. Queria que ele fosse visto através do universo familiar. Como no caso de Pedro, em que os pais não conseguem reconhecer o momento difícil pelo qual o filho está passando.

Como foi trabalhar com atores como Paulo Vilhena e Caio Blat?

Convidei o Paulo Vilhena para fazer o papel do professor de violão de Mano, Marcelo. Ele disse pra mim: “Não toco nada, mas imito perfeitamente!”. Mesmo não sendo músico, o Paulo tem aquele ar de sabedoria de mestre, que no surfe também aparece. E esse é um universo que para ele lhe é familiar. Todo adolescente tem seu mestre. Um tio, um irmão mais velho, um cantor. Eu sempre quis trabalhar com Caio. Seu papel do professor Artur não é a de um sedutor pela beleza, mas sim pela fala, pelo seu engajamento e forma de se colocar.

Qual foi sua experiência com a equipe que trouxe para “As Melhores Coisas do Mundo”?

O Daniel Rezende (responsável pela montagem do filme) foi um parceiro importante nesse trabalho. Descobri também um amigo. Conseguimos amadurecer mais rápido o filme com sua montagem paralela. Foi através dela, que pudemos descobrir falhas e filmar complementos de cenas. O Cássio Amarante como diretor de arte foi também uma figura chave para o processo. O Sérgio Penna que, com sua maneira descontraída com os jovens fez com que cada um buscasse sua forma para interpretar o personagem. Seu trabalho também foi responsável pelo amadurecimento desses atores.

UMA AMIZADE VENCENDO TRADIÇÕES

2010-05-16T09:41:00.001-03:00

Falar em animações no cinema é falar em sucesso garantido e ótimos lucros. Prova disso está na lista dos filmes que mais faturaram na história do cinema. Entre os 30 mais lucrativos, as animações estão nessa ordem:

11.° Branca de Neve e os Sete Anões (1937)
12.° 101 Dálmatas (1961)
25.° O Rei Leão (1994)
29.° Mogli – O Menino Lobo (1967)
30.° A Bela Adormecida (1959)

Entretanto, nenhuma das animações de anos recentes atingiu uma boa colocação. O sucesso mais recente é Shrek 2 (2004) que ficou com a modesta 31.° colocação. Qual a explicação para isso? Será que as animações não atraem tanto o público como antigamente? As produtoras tentam mudar essa situaçõa com animações cada vez melhores (tecnicamente falando). O novo longa da Dreamworks, Como Treinar o seu Dragão, é um exemplo disso. O filme conta com o roteiro e a direção de Chris Sanders e Dean Deblois, os mesmos da animação da Disney Lilo e Stich (o que pode explicar a aparência do dragão Banguela).

Baseado na série homônima de livros infanto-juvenis da escritora inglesa Cressida Cowell, o longa narra a história de uma aldeia de vikings que era constantemente atacada por dragões. Conhecemos ali Soluço, um garoto viking cujo único desejo era se tornar um grande caçador de dragões para conquistar o respeito de seu pai, o líder guerreiro da comunidade. Mas quando finalmente consegue capturar um Fúria da Noite, o mais temido dos dragões, Soluço não consegue matá-lo e decide soltá-lo. A partir daí, ambos vencem a desconfiança e os receios, e uma forte amizade se desenvolve entre os dois.

Como a maior parte dos filmes direcionados para o publico infantil, Como Treinar o seu Dragão tem suas lições de moral. Além do clichê “Acredite em você mesmo”, o filme aborda temas como relacionamentos entre pais e filhos, mudanças de pensamentos e atitudes, além de mostrar como é sempre bom ter a mente aberta para novas experiências.

Algo muito bom sobre o filme é que os espectadores aprendem junto com o personagem principal. Note que, a princípio, a câmera mostra os dragões como seres ameaçadores, nos permitindo apenas relances destes, sempre de ângulos que realçam a natureza bestial desses répteis gigantescos. Mas a medida que o jovem herói se aproxima de Banguela e aprende mais sobre os bichos, começamos a vê-los de uma maneira mais idílica.

Os efeitos computadorizados são incríveis. Um exemplo é a perfeição na iluminação e nas sombras nas cenas feitas em ambientes iluminadas com fogueiras. A riqueza de detalhes da cidade viking impressiona e os ambientes externos parecem reais. As sequências de voo dos dragões, com seus planos de visão quase infinitos também são ótimos.

É cedo para dizer se a nova produção da Dreamworks será capaz de entrar para a lista acima. Mesmo assim, não há dúvidas de que Como Treinar seu Dragão é uma incrível aventura e vale a pena assistir.

Ficha Técnica

Como Treinar o seu Dragão (How to Train your Dragon, 2010)

Gênero: Animação

Duração: 98min

Origem: EUA

Estréia: EUA-Brasil - 26 de março de 2010

Estúdio: Paramount Pictures

Direção: Dean DeBlois, Chris Sanders

Roteiro: Dean DeBlois, Chris Sanders

A DESPEDIDA DO ANJINHO

2010-05-15T08:27:00.000-03:00

Apresentamos agora a última tirinha sobre o Anjinho. Mas não se preocupem, porque o adeus não é permanente e logo ele voltará para brincar com a turminha; e quando se tornar um adolescente, terá as suas próprias estórias.

O BUSTO PROIBIDO (Carlos Drummond de Andrade)

2010-05-14T09:10:00.000-03:00

Emoção na praia. Alguém braceja entre as ondas, desesperadamente. O salva-vidas, de costas para o mar, nem te ligo.

_ O senhor não vai salvara vida daquele desgraçado, que está morrendo?

_ Calma, tudo a seu tempo. Ordens são ordens. Primeiro tenho que salvar o pudor público, detendo aquela senhorita ali, que está com as maminhas de fora.

Mas a senhorita, se estava com as ditas ao sol, recolheu- as imediatamente, ou seria miragem do deserto? O salva-vidas esfregou os olhos, encarou o busto primaveril, que absolutamente não oferecia pasto completo à gulodice visual, e não pôde fazer nada.

_ Os cavalheiros que se acham nas proximidades não viram por acaso esta senhorita atentar contra a moral?

_ Não senhor.

_ Eu não vi.

_ Nem eu.

_ Corta essa, aqui somos todos partidários da moral e do Mobral, e ninguém viu nada.

_ É a tal história. Mandam a gente exercer fiscalização severina sobre o vestuário das moças, quer dizer, sobre a falta de vestuário, e não sei o que é que vou fazer para mostrar serviço. Tá tudo legal. A senhorita me desculpe.

- De nada.

A essa altura; que foi feito do afogado? S não esperou, azar dele. A ronda continua, pela praia. Essa enterrou-se totalmente na areia, só a cabeça aparece, e desperta suspeita. Ou não? Pelas dúvidas, convém sindicar:

_ A senhorita quer ter a bondade de sair para fora da areia?

_ Ah seu salva, estou tão bem aqui.

_ Acredito, mas o delegado ...

_ O delegado proibiu a gente de se esconder na areia?

_ Que eu saiba, ainda não. Mas estou vendo o seu soutien do lado de fora, com o bronzeador e outras coisas, e saquei as minhas conclusões.

_ E daí? Dentro da cova de areia posso até ficar pelada cem por cento, ninguém tem nada com isso.

_ É, mas e na hora de sair da areia?

_ Aí o senhor me prende, antes não. Eu estou decentemente vestida de areia, não estou?

_ E se um gaiato passar por aqui e levar o seu soutien, como é que a senhorita se arranja para sair da praia?

_ O senhor me prende, uai. Problema seu. Agora, já imaginou o grilo que vai dar o senhor me levando para o Distrito nessas condições?

_ Mineira, hem? O pessoal em Minas está ficando muito pra frente.

_ Faz-se o possível. Mas vocês, no Rio, não colaboram, inventam cada uma.

_ Por mim, não. Também sou mineiro e com muita honra, viu? Mas é a tal de ordem superior, sabe como é? Mineiro é vidrado em mar, isso influiu na escolha de minha profissão. Até, se eu pudesse, não estava aqui de salva-vidas e salva-nâo-sei-o-quê. Estava dando uma de banhista, simplesmente.

_ Legal. Eu sabia que você não ia me prender por uma bobagem dessas.

- Bem, eu ...

_ Mineiro tem que ser solidário também no monoquíni, entende?

_ Falou. Então, na hora de sair, me avise .

_ Pra quê? Vai bancar o voyeur?

_ Sei lá o que é isso. Pra fazer a cobertura, dar proteção, impedir que a turma entusiasmada arranque até a parte de baixo ...

_ Não precisa, meu chapa. Eu estou de duas peças, sabe? Botei do lado de fora esse soutien de reserva, não foi pra perturbar, é porque uma onda mais velhaca pode deixar a gente como Eva é servida, e eu sou mineira, mineiro acorda prevenido pra tudo!

O RETRATO DE UMA GERAÇÃO

2010-05-13T09:43:00.001-03:00

Os desafios que a atual juventude enfrenta é o tema central de As Melhores Coisas do Mundo, novo filme de Laís Bodanzky, diretora dos aclamados “Bicho de Sete Cabeças” e “Chega de Saudade”. Inspirado na série de livros infanto-juvenil Mano: Cidadão-Aprendiz, de Gilberto Dimenstein e Heloísa Prieto, o filme conta a história de Mano (Francisco Miguez), um adolescente de classe média em São Paulo. O filme traz um retrato sincero do universo adolescente. Traz ao espectador temas recorrentes no cotidiano dos jovens, como escolhas e ética, medo, preconceito, bullying e o sentido de amizade, de família e do amor. Mostra claramente como a chegada do mundo adulto vem cercada de dificuldades de tirar o fôlego e exige do jovem uma grande transformação em sua forma de ver o mundo. Essas reflexões são uma característica dos filmes da diretora Laís Bodanzky que acredita que não há divisão entre entretenimento e cultura. “Cinema é reflexão, cidadania e educação”, afirma.

Para realizar “As Melhores Coisas do Mundo”, Laís e o roteirista Luiz Bolognesi visitaram escolas e realizaram pesquisas de campo com jovens. Cerca de 2.500 pessoas, entre protagonistas e figurantes, participaram das filmagens. Quase todo o elenco jovem do filme foi selecionado pela diretora entre os estudantes comuns dos colégios de São Paulo, que também receberam a oportunidade de ler, criticar e sugerir alterações no roteiro do longa. A estratégia funcionou e, apesar de ser baseado na série de livros “Mano”, é marcado por situações que só uma mente adolescente poderia prever.

Um ponto positivo do filme é o próprio cenário. É bom saber que um crescente numero de diretores percebe que, para se fazer um filme de sucesso, não é preciso que a história aconteça numa favela ou no sertão nordestino. Um segundo ponto positivo seria o próprio roteiro. Porque a coisa mais comum ao se assistir um filme sobre adolescentes é ver cenas forçadas e diálogos vazios (Malhação que o diga). As Melhores Coisas do Mundo retrata tão bem a adolescência dos anos 2000 que as vezes temos a impressão de assistir a um documentário e não a uma ficção.

Também, é impossível não falar sobre a atuação do iniciante Francisco Miguez. Selecionado entre os mais de 300 estudantes do colégio Oswald de Andrade, no Alto da Lapa, Francisco foi o que melhor se encaixou no perfil de Mano. Apesar de nunca ter nenhuma experiência em dramaturgia, ele surpreendeu a todos com uma atuação bastante espontânea. Também se destaca o experiente Paulo Vilhena, além de Denise Fraga e Zé Carlos Machado que interpretam os pais de Mano.

Críticas? Bem, o filme contém uma falha técnica que acontece m quase todos os filmes nacionais: a captação de som direto. Em alguns momentos, os diálogos ficam um pouco confusos. Mesmo assim, é um ótimo filme. Diria que não vai entrar para a seleta lista de grandes sucessos nacionais (ninguém vai sair por aí imitando o Mano igual imitavam o Capitão Nascimento). Mas é um filme que tem uma importância muito grande no cenário cultural e histórico brasileiro e, com certeza, vale a pena assistir.

Ficha Técnica

As Melhores Coisas do Mundo , 2010

Gênero: Drama

Duração: 107min

Origem: Brasil

Estréia: Brasil - 16 de abril de 2010

Estúdio: Warner Bros.

Direção: Laís Bodanzky

Roteiro: Luiz Bolognesi

Elenco

FRANCISCO MIGUEZ: Hermano

FILIPE GALVÃO (FIUK): Pedro

DENISE FRAGA: Camila

ZÉ CARLOS MACHADO: Horácio

GABRIELA ROCHA: Carol

GABRIEL ILLANES: Deco

GUSTAVO MACHADO: Gustavo

CAIO BLAT: Artur

PAULO VILHENA: Marcelo

O RETORNO DOS HOMENS DE PRETO

2010-05-12T09:01:00.001-03:00

Uma das lendas urbanas mais conhecidas nos Estados unidos ganhou vida no cinema em 1997. Quem nunca ouviu falar de uma agencia secreta do governo que investiga casos de aparecimentos de seres alienígenas. Pois é, apesar de ser bizarra, a história deu um ótimo filme. MIB – Homens de Preto foi sucesso de bilheteria. Uma multidão lotava o cinema para ver o Agente K (Tommy Lee Jones) treinar o novato Agente J (Will Smith) no combate a alienígenas terroristas. O filme faturou quase sete vezes o seu custo. Resultado óbvio: logo entraria em cartaz uma seqüencia da dupla de agentes.

Para isso, os fãs esperaram três anos. Então finalmente havia chegado o momento para assistir MIB – Homens de Preto 2. Mais voltado para a comédia, o filme deu mais espaço para alguns personagens cômicos, como o cachorrinho Frank que queria se tornar um agente. Entretanto, aqueles que foram ao cinema querendo ver um bom filme de ação saíram decepcionados com o clima extrovertido e cheio de piadinhas.

Oito anos após o lançamento do segundo filme e com a opinião dos fãs divididas, seria a hora de transformas MIB numa trilogia? Com o sucesso das filmagens em 3D, muitos passaram a ver o filme como uma opção óbvia. A Columbia Pictures emitiu um comunicado oficializando a produção de “Homens de Preto 3”. Will Smith e Tommy Lee Jones estão confirmados nos papéis principais. A última novidade é que Josh Brolin (“Onde os Fracos Não Têm Vez”) entrou mesmo no elenco. Ele interpretará o agente Kay quando jovem. Barry Sonnenfeld, diretor dos dois primeiros, assume novamente a direção. As filmagens começam no meio do ano e “Homens de Preto 3” será lançado em 3D em 25 de maio de 2012.

A SAGA DOS PIRATAS DO CARIBE

2010-05-11T09:13:00.002-03:00

A situação era difícil: problemas financeiros, novas empresas entrando no mercado e diminuição do público. Eram esses os desafios que a Disney enfrentava (e enfrenta até hoje). Qual a solução. Criar um filme baseado num brinquedo do parque. Se o filme virasse sucesso, seriam dois coelhos num tiro só. Qual o brinquedo escolhido? Um certo Piratas do Caribe.

Em 2003, o filme Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra surpreendeu a todos. O primeiro motivo é que tinha muita gente achando que não passava de marketing barato para um brinquedo do parque. O segundo é que os filmes sobre piratas já haviam perdido o público e Hollywood não se interessava mais no gênero. Entretanto, todos estavam errados e o filme que custou cerca de 140 milhões de dólares, rendeu 305 milhões, 413 mil e 918 dólares somente nos Estados Unidos em 189 dias de exibição, fora a bilheteria mundial de 348 milhões e 500 mil dólares. Por que tanto sucesso? Bem, o filme uniu tudo o que os fãs de aventura gostam: ótimos roteiristas, atores, efeitos especiais, trilhas sonoras e um ótimo diretor.

O roteiro contem vários personagens buscando diferentes objetivos. O Capitão Jack Sparrow tenta recuperar o seu navio, o Capitão Barbossa tenta recuperar o ouro asteca e se livrar de uma terrível maldição, Will Turner tenta salvar a sua amada e Elizabeth Swann... bem ela é só uma donzela em perigo mesmo.

A direção do filme é impecável, a fotografia é magnífica e os efeitos especiais são simplesmente espetaculares. Falando dos atores, Geoffrey Rush (Capitão Barbossa) fez uma participação incrível e Johnny Depp (Capitão Jack Sparrow) esteve impecável, roubando a cena do mocinho Orlando Bloom (Will Turner) que se manteve muito reprimido e amarrado ao estereótipo de mocinho que resolve enfrentar a tudo e a todos para salvar sua amada.

Três anos após o grande sucesso de Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra, a Disney decidiu transformar o filme em uma trilogia. Foram planejados, então, os outros dois longas-metragens, que seriam gravados simultaneamente. Dessa forma, surgiu Piratas do Caribe: O Baú da Morte, cujo principal atrativo era uma diversão descompromissada, mas que também trazia bons aspectos técnicos, como também um elenco conhecido.

No filme, o Capitão Jack Sparrow tenta pagar sua dívida com o terrível Davy Jones, senhor dos mares. É claro que a receita primeiro filme foi repetida: ótimos efeitos especiais, atores, trilhas sonoras e direção. Aliás, os efeitos ficaram bem melhores, já que o filme custou 225 milhões de dólares para a Disney. A atuação de Johnny Depp também superou o primeiro filme. Além dele, Bill Nighy, responsável pelos movimentos de Davy Jones e Stellan Skarsgård, que interpretou o pai "morto-vivo" de Will Turner, fizeram ótimas atuações. No entanto, muitos ficaram um pouco decepcionados com Piratas do Caribe: O Baú da Morte. O roteiro não ficou tão bom quanto o primeiro, pois a história se arrasta com o obvio objetivo de ser uma ponte para o próximo filme. Ainda assim, o filme foi muito bom, deixando a todos ansiosos para ver a continuação da história.

No ano seguinte, entra em cartaz Piratas do Caribe: No Fim do Mundo. Sem cometer os erros do filme anterior, concluiu de forma espetacular a trilogia. Em sua terceira aparição no cinema, Jack Sparrow e outros piratas precisam se unir contra um inimigo em comum. Novamente, todos os elementos marcantes dos filmes anteriores foram ampliados nesse filme.

Seria a ultima aventura do Capitão Jack Sparrow. Os fãs ficaram felizes ao saber que a Disney está preparando uma nova sequencia. O que podemos esperar do novo “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides“? De acordo com um artigo no jornal estadunidense Los Angeles Times, o presidente dos estúdios Disney, Rich Ross, quer diminuir as proporções da produção do novo filme estrelado por Johnny Depp.

A redução no orçamento acarretará em menos locações (o filme será rodado em Londres e Havaí, ao invés do Caribe), e uma redução no número de dias de filmagens: 95 dias para este novo filme contra os 142 dias necessários para o terceiro filme. Também são esperadas reduções no número de efeitos visuais (em torno de dois terços das 2000 cenas filmadas no filme anterior terão efeitos). No momento o roteiro está sendo reformatado para também diminuir os gastos da produção.

Na trama do novo filme, o pirata Jack Sparrow partirá em busca da famosa Fonte da Juventude, mas terá que disputá-la com o temido Barba Negra (Ian McShane, de “Caso 39”). Penélope Cruz (“Nine”) interpretará o interesse romântico de Sparrow, e Geoffrey Rush (“Elisabeth: A Era de Ouro”) retorna como Barbossa.

O filme será baseado no livro de Tim Powers “On Strange Tides” (“Em marés estranhas”, em tradução livre). O roteiro é de Ted Ellitot e Terry Rossio, responsáveis pelos três primeiros filmes. As filmagens começarão em junho e a estreia está prevista para o dia 20 de maio de 2011.

O FIM DE UMA VIAGEM MÁGICA

2010-05-10T09:17:00.002-03:00

No dia 8 de Maio, "LeT it be", o álbum que pôs um ponto final na trajetória dos Beatles, completou 40 anos.

Em 1966 a banda tomou a decisão de deixar os palcos para se concentrar em seu trabalho de estúdio.

No entanto, dois anos depois, e após a tortuosa gravação do disco conhecido como "O álbum branco", McCartney começou a gestar um projeto, inicialmente chamado "Get Back", que pretendia levar a banda de volta as suas origens.

A ideia de McCartney consistia na preparação de novas músicas que se pudessem ser apresentadas ao público no palco, ao vivo, além da filmagem de todo o trabalho para um filme.

Os Beatles iniciaram a gravação, mas os problemas que tinham dificultado o trabalho durante a gravação de "O Álbum Branco", não demoraram a ressurgir.

A presença do casal John Lennon e Yoko Ono no estúdio de gravação, a morte do agente do grupo, Brian Epstein, que deixou os Beatles sem representação nem liderança, e o individualismo cada vez maior de todos os membros da banda fizeram da gravação de "Get Back" uma "experiência desagradável", como descreveu o produtor George Martin.

Lennon e McCartney tinham perdido o interesse de compor juntos e o ambiente estava tão carregado que Harrison abandonou a banda durante dez dias.

Apenas a presença do tecladista Billy Preston, que se uniu à gravação de algumas músicas, conseguiu acalmar os ânimos durante um tempo.

No entanto, no filme resultante da filmagem das sessões ficava claro que McCartney, Lennon, Harrison e Starr já não funcionavam como banda.

O projeto foi abandonado temporariamente pela gravação de "Abbey Road" e só foi retomando no começo de 1970 pelo produtor americano Phil Spector, conhecido por seu característico muro de som.

Após analisar outros cenários como um barco no Tâmisa e o deserto de Túnis, os Beatles fizeram um show, o último de sua carreira como conjunto, no terraço do edifício da Apple Corps no número 3 de Savile Row, a rua dos alfaiates sob medida de Londres, para apresentar "LeT it be".

No estúdio, Spector acrescentou o show ao material gravado um ano e fundos de orquestras e coros. O disco resultante, o único não produzido por George Martin, não agradou McCartney, que tinha concebido o projeto como um álbum com som ao vivo.

Em 2003, McCartney lançou "LeT it be...Naked", uma reedição com sua própria versão do material original.

O projeto, prensando como "Get Back", uma volta ao rock and roll e os shows que tinham caracterizado à banda no seu início, terminou como "LeT it Be" e com a separação dos garotos de Liverpool.

McCartney tinha decidido deixar a banda no dia 10 de abril de 1970, uma semana antes do lançamento de seu primeiro trabalho solo, e anunciou a dissolução do grupo em uma entrevista na qual descartava voltar a trabalhar com Lennon.

Ele não só transgrediu o pedido de seus companheiros de atrasar o lançamento de seu novo disco, muito próximo ao lançamento de "LeT it be", como se antecipou a Lennon, que seis meses antes já tinha comentado sua intenção de deixar os Beatles, mas que não a tornou pública porque estava esperando para solucionar alguns problemas de representação.

"Sempre estava buscando uma desculpa para deixar os Beatles, mas não tinha coragem para fazer isso. A semente estava plantada desde que deixamos os palcos, mas me assustava a ideia de abandonar o palácio", reconheceria Lennon dez anos depois.

"LeT it be " conseguiu ser o número um na lista americana Billboard durante três semanas e a banda sonora do filme levou um Oscar.

No entanto, a crítica não acompanhou o álbum de despedida dos Beatles, que o crítico da revista "New Musical Express" Alan Smith definiu como "um epitáfio encardido, uma lápide de cartolina, um final triste e mesquinho para um grupo que mudou a música pop".

DE UMA ALDEIA PARA O MUNDO

2010-05-09T08:30:00.000-03:00

Imagine a cena: estamos agora na Idade Média, acompanhando as aventuras do bravo cavaleiro Johan e seu atrapalhado escudeiro Peewit. Eles se infiltram numa parte desconhecida da floresta e fazem uma descoberta que mudaria o mundo: seres minúsculos vivem ali escondidos da humanidade. Isso aconteceu no desenho de 1958 produzido na Bélgica chamado Os Smurfs e A Flauta Mágica (La flûte à six trous). Logo a dupla foi esquecida, mas sua descoberta saiu anonimato para ganhar o mundo.

Antes de tudo, falemos sobre o homem que criou os Smurfs: o ilustrador belga Pierre Culliford (Peyo). Depois que Peyo deixou a escola em Bruxelas, ele estava em busca de um emprego. Dois chamaram sua atenção: um para assistente de dentista e um para ilustrador. Logo, ele decidiu pela primeira opção. Mas, quando ele se apresentou ao dentista, foi dito que a vaga já havia sido preenchida – ele chegara apenas 15 minutos tarde demais! E o mundo agradeceu esse atraso! Em 1952, Peyo fez sucesso com a série de quadrinhos Johan e Peewit para o Le Journal de Spirou. Mas foi com os Smurfs que ele ficou conhecido mundialmente.

Depois do sucesso de sua primeira aparição, os Smurfs passaram a ter sua própria série de quadrinhos em 1959. Em 1981, eles foram descobertos por Hanna & Barbera que criaram a série de desenho animado para a rede NBC no E.U.A. Nada menos que 256 episódios foram produzidos, assistidos atualmente em cerca de 30 países. E logo eles terão o seu primeiro filme: a estréia está prevista para 2011.

Na série animada, os Smurfs têm a altura equivalente a apenas três maçãs e aproximadamente 100 anos, sendo Papai Smurf o mais velho, com algo em torno de 550 anos. Eles vivem numa Vila de cogumelos, onde só entra quem for convidado. Apesar de serem pacíficos, vivem em estado de alerta, pois nos arredores da aldeia dos vive o feiticeiro e alquimista Gargamel e seu gato Cruel. O feiticeiro persegue os smurfs, inicialmente para encher a pança. Sim, nos primeiros desenhos Gargamel queria apenas comer os Smurfs; mais tarde descobriu uma fórmula para obter ouro que precisava de Smurfs como ingrediente (no mínimo seis), mas depois de repetidas falhas, a simples possibilidade de vingança é motivação suficiente. É impossível saber o numero de smurfs, mas abaixo você poderá ver alguns dos mais conhecidos.

Papai Smurf: O chefe da vila dos Smurfs e o segundo mais velho. Tem um barrete vermelho, ao invés do popular barrete branco dos outros Smurfs. Conhece alquimia melhor que Gargamel.

Joca: é o Smurf que prega peças; distribui presentes explosivos.

Smurfette: originalmente a única Smurf feminina, foi criada por Gargamel como um plano de atrair os Smurfs para uma armadilha, mas Smurfete resolveu ficar para sempre com os Smurfs.

Harmonia: o músico, mas sem talento. Sempre com trompete.

Marinheiro: sempre pronto para qualquer atividade em água, já guiou os Smurfs em muitas aventuras.

Nat:sempre descalço, é um devoto da natureza, amando os animais mais do que qualquer outra coisa; sua criatura favorita é a lagarta que se transforma em uma borboleta.

Pintor: o pintor, usa paleta, avental de pintor e fala com sotaque francês.

Poeta: o que declama poesias.

Preguiça: é o que vive dormindo.

Rei: é um Smurf com uma paixão pelo poder.

Repórter: jornalista da vila Smurf, já conseguiu muitas confusões com seus furos de noticias na vila.

Robot: criado pelo Smurf Habilidoso, é o mais forte da vila Smurf.

Robusto: o mais forte dos Smurfs, tem tatuagem de coração flechado no braço.

Sassette: foi criada pelos Smurfinhos para servir como uma irmã para si e Smurffette; com um leve sotaque sulista, ela também chama Gargamel de Papi Gargamel, pois sabe que foi feita com a ajuda de sua magia.

Slouchy: não é outro preguiçoso, sua desculpa é que ele não se importa com nada, se pediu para fazer algo, ele vai, mas muito lentamente, ele toca na banda Smurfling com seu saxofone, é extremamente descontraído.

Gourmet: o cozinheiro. Usa gorro de chef e avental.

Ranzinza: é o reclamão. Sua opinião a respeito de qualquer assunto é: "Eu odeio (assunto)".

Smurf das Cavernas: participou de poucas histórias, mas como todos, faz parte da família Smurf.

Snappy: tem muita energia, e fica totalmente furioso quando algo da errado em seu caminho, é tão impaciente e iracional que apenas Papai Smurf consegue acalma-lo.

Sonâmbulo: apenas dorme, anda pela vila como se estivesse realmente acordado.

Vaidoso: tem florzinha no barrete e vive se admirando em espelhos.

Voador: com asas igual de pássaros amarradas ao braços vivia voando pela vila Smurf.

Vovô Smurf: o mais velho dos Smurfs, que retorna a vila depois de 500 anos de ausência.

Apaixonado: após a chegada da Smurffette ele sonha com ela o dia inteiro, passa os dias escrevendo o nome dela nos trocos das árvores e é o mais romântico dos Smurfs.

Assustado: o medroso.

Astronauta: sempre com ideias de ir para a lua, diz já ter conhecido outros planetas onde até ja falou com civilizações de Smurf Verd.

Bebê Smurf: o bebê; foi entregue na vila por uma cegonha.

Desastrado: é o que está sempre tropeçando e causando desastres.

Doutor Smurf: sempre na correria, no atendimento aos Smurfs da vila, sempre receitando um remedinho para qualquer coisa.

Fazendeiro: cultiva plantações.

Fominha: o glutão.

Gênio: Smurf estudioso, aprendiz de Papai Smurf. É também o mais chato, sempre corrigindo os outros. Usa óculos.

Habilidoso: inventor e conserta tudo. Usa lápis na orelha.

ANJINHO E SEUS NOVOS AMIGOS

2010-05-08T08:38:00.001-03:00

Depois de conhecermos o começo da amizade entre o Anjinho e o Cebolinha, vejamos como outros membros da turminha conheceram o anjinho arteiro.

VIADUTOS (Carlos Drummond de Andrade)

2010-05-07T09:10:00.002-03:00

– Endereço do colega?
– Viaduto São Sebastião, pilastra n.º 4, lado esquerdo, na Presidente Vargas. Apareça por lá.
– Ótimo. Vou aparecer, mas agora não. Estou de mudança.
– Se não for indiscrição, pode-se saber para onde?
– Não sei ainda. Moro no viaduto de Japeri, aliás muito confortável, mas compreende, né? Um pouco longe. Procuro um na cidade.
– Já experimentou Botafogo?
– Fui eu que inaugurei. Era uma habitação deliciosa, aliás duas, com vista panorâmica, banho de mar em frente, etc. Mas sabe o que aconteceu: estragaram aquilo, botaram jardins, espelhos d’água…
– É. Estão sempre atrapalhando.
– Espelho d’água, vá lá, serve para a toalete. Mas o jardim…
– Jardim não é bom para secar a roupa?
– Em tese. Mas há sempre um guarda querendo defender as plantas, implicando com os moradores.
– Tem razão. Na vida, o essencial é paz.
– Também acho. Folgo em saber que estamos de acordo neste ponto fundamental. Mas, sabe? Os viadutos estão difíceis.
– É, ouço dizer. Mesmo havendo tantos por aí?
– Todos lotados. Dizem que onde cabem três cabe mais um. Eu discordo. Por essa teoria, onde cabem 20, 50, mil, cabe sempre mais um. E os viadutos tornam-se inabitáveis, ficam iguaizinhos aos edifícios, o que, francamente, caro colega, não é vantagem.
– Vejo que o amigo aprecia a solidão.
– Solidão a dois, a três, eu aprecio, quando os colegas sabem viver em comunidade. A gente não está nem sozinha nem com multidão. Equilibrado. Cada um cuida de si, e reina ordem no viaduto. O que eu não suporto é viaduto desorganizado. Sou muito exigente neste particular.
– Estou vendo que lá em Japeri o senhor deve ser uma espécie de síndico.
– Que síndico? Quem falou em síndico? Nós três nos autogovernamos. Eu, que atendo por Quilo-e-Meio, seu criado (não cheguei a crescer muito, em todo caso não me chamam de Meio-Quilo), o Vai-por-Mim e a Marlene Garbo.
– Por que Marlene Garbo? Não é acumulação?
– Por que ela tem as pernas de Marlene Dietrich e o jeito da Greta Garbo. A combinação é genial, sabe? Tem vezes que a gente chama ela de Margá. Santa mulher. Já teve os tubos, viajou por aí, não guardou nem pinta de grã-finagem.
– E o Vai-por-Mim?
– Não tenho queixa dele. Só que anda com mania de jogar na Bolsa, nosso viaduto está cheio de balancetes, prospectos, gráficos. Tenho medo que ele fique rico, daí a pouco começa a botar banca.
– Dê uns conselhos ao Vai-por-Mim.
– Dei. Ele sonha em descobrir jazida de tório em Japeri, para fundar o Banco Nacional de Habitação em Viadutos, Pontes e Congêneres. Não deu sorte na Loteca, hoje diz que o plá é investir. Eu preveni a ele: Ficando rico, a primeira coisa que vai fazer é cobrar aluguel nos viadutos.
– Os viadutos são do Estado.
– E daí? Até o Estado perceber, ele já dobrou a fortuna. O colega desculpe, mas isso é safanagem.
– Diga ao Vai-por-Mim que apareça aqui no São Sebastião, para batermos um papo.
– Vai tirar essas minhocas da cabeça dele?
– Não sei… A idéia me parece aproveitável. A socialização dos viadutos, uma cadeia nacional de Hilton dos homens e mulheres independentes…Viadutos bem funcionais, o abrigo ao alcance de todos… Um problema social que se resolve…
– Sem essa! Eu a querer salvar o Vai-por-Mim, e o colega pensando em tirar partido da loucura dele! Acabando com a paz, a relativa paz que ainda se goza nos viadutos! Não conte comigo e passe muito mal, traidor!

DEPOIS DO FIM

2010-05-06T13:56:00.002-03:00

Quantos filmes falam sobre o fim do mundo? Incontáveis. Tantas vezes já vimos a estátua da liberdade sendo destruída que já virou até clichê. Por isso, há algum tempo o cinema vem trazendo uma continuação a história. Como seria o mundo depois do fim? Todo mundo está dando sua opinião. Todo mundo mesmo. Até a Disney fez a animação Wall-E, mostrando como seria o mundo depois que o homem o destruísse. Mas sempre aparece mais um para contar a história com um novo olhar.

Em O Livro de Eli a história se passa uns 30 anos depois que uma guerra nuclear destruiu boa parte da camada de ozônio. O ambiente é bem parecido com o do filme Mad Max, com os EUA se tornando um grande deserto. Os que sobreviveram, muitos deles cegos por causa do “flash”, tentavam sobreviver em um mundo sem civilização, nem lei. Muitos como Eli (Denzel Washington) vivem como nômades, caçando e roubando cadáveres para sobreviver.

No filme, Eli tem um objetivo nobre: carregar e proteger o último exemplar da Bíblia. Sempre rumando a oeste, ele passa por uma cidade cujo líder tem como maior ambição obter um exemplar da Bíblia. Por que? Bem, tendo vivido no mundo antes do fim, ele sabia como ela havia sido usada para dominar as pessoas na Idade Média. Ele passa a ver a Bíblia como um meio de consolidar o seu poder. O desafio de Eli passa a ser o de proteger a Bíblia contra aqueles que querem usá-la de forma errada.

É uma história muito boa, mas contém algumas falhas. O principal é o personagem Eli. O roteirista o deixou muito raso. O filme acaba e nós continuamos sem saber quem realmente é esse homem.

Outro problema é o mesmo o que vem acontecendo em tantos outros filmes. Sempre acontece quando colocam um ator da nova geração para atuar com um mais experiente. O da nova geração simplesmente some. É o que acontece em O Livro de Eli. Denzel Washington está, como sempre, incrível. Mas a atriz coadjuvante Mila Kunis some. Isso fez com que sua personagem perdesse o valor, o que afeta muito o fim do filme.

Apesar disso é um ótimo filme de ação e vale a pena assistir.

O Livro de Eli

The Book of Eli

EUA , 2010 - 118

Ação / Aventura / Ficção científica

Direção: Allen Hughes e Albert Hughes

Roteiro: Gary Whitta

Elenco:

Denzel Washington: Eli

Gary Oldman: Carnegie

Mila Kuni: Solara

Ray Stevenson: Redridge

Jennifer Beals: Claudia

Evan Jones: Martz

Joe Pingue: Hoyt

Frances de la Tour: Martha

Michael Gambon: George

OLHARES PARA O PLANETA

2010-05-05T09:15:00.000-03:00

Há 40 anos, em 22 de abril de 1970, foi celebrado pela primeira vez o Dia da Terra, um movimento ecologista em escala global. Mas as preocupações ambientais ficaram maiores no século XXI. O meio para alertar o mundo sobre os perigos da atuação humana é a arte.

A Liga Internacional de Fotógrafos pela Conservação (ILCP, na sigla em inglês) selecionou 40 imagens consideradas as mais belas fotografias de natureza feitas em todos os tempos.

Entre os critérios para a escolha das fotos pelos integrantes da liga - organização que reúne alguns dos mais renomados fotógrafos de natureza do mundo - estão fatores como estética, importância histórica e científica e contribuição para os esforços de conservação. As fotografias representam vários estilos e foram feitas num período de cem anos.

- Não foi uma tarefa fácil, selecionar apenas 40 imagens entre as indicações incríveis enviadas por alguns dos maiores fotógrafos de natureza, mas foi uma grande honra para a ILCP (receber) o pedido para liderar este projeto desafiador - afirmou o diretor-executivo da liga, Justin Black.

Abaixo, você vê imagens maravilhosas estarrecedoras.

Ansel Adams, Snake River, 1942. Esta fotografia pode ser considerada a essência da paisagem americana. Talvez, pó ser em preto e branco, as emoções fiquem acentuadas e a cena se torne ainda mais majestosa, com essas árvores em primeiro plano obscurecendo a linha sinuosa do rio.

Ansel Adams, Monte McKinley, 1947. O monte McKinley, a 20.320 pés é o pico mais alto da América do Norte.

Brent Stirton, Bukima, Parque Nacional de Virunga, Congo Oriental, Julho de 2007. Foto mostrando um gorila vitima dos confrontos envolvendo membros de uma empresa de exploração ilegal de carvão vegetal no parque nacional de Virunga, no leste do Congo, 24 de julho de 2007.

Brian Skerry, Golfo do México, da Califórnia. Foto mostrando um dentre os 100 milhões de tubarões mortos por ano.

Brian Skerry, Auckland, Nova Zelândia. Um adulto Baleia Franca Austral (Eubalaena australis) encontra um mergulhador no fundo do mar de areia a uma profundidade de 22 metros ao largo das ilhas Auckland, Nova Zelândia.

Chris Johns.

Chris Johns. Filhote chita com um focinho manchado de sangue.

Chris Johns, África do Sul. Leão em uma tempestade de poeira, Kalaharai Gemsbok National Park, África do Sul.

David Doubilet, Austrália do Sul, 1.986. Leões marinhos australianos divertindo-se num prado grama do mar.

David Doubilet.

Doc White, México. Close da cabeça e da boca de uma baleia azul.

Frans Lanting, 1989.

Frans Lanting, lhas Galápagos, 1984.

Galen Rowell, Califórnia, em 1976. Galen Rowell (1940-2002) foi um mestre de incorporar qualidade fugaz de luz natural em composições convincente. Ao invés de simplesmente capturar uma imagem da nuvem fora de contexto com o lugar, Galen incorporou céu e terra em uma única obra.

Galen Rowell, Alaska, 1986.

George Shiras, 1921.

Jim Brandenburg.

Jim Brandenburg, Minessota.

Michael Kenna, Japão, 2002. Kenna diz que muitas de suas boas lembranças de quando era criança eram em um playground na Inglaterra, onde tinha uma arvore frondosa. Logo percebeu que nós temos uma ligação especial com as arvores.

Michael K. Nichols. Um chimpanzé em cativeiro estendendo a mão para que a Dra. Jane Goodall.

Michael K. Nichols, 2000. Macaquinho com sua habitual curiosidade.

Michael K. Nichols.

Minor White, Utah, 1962. É talvez o melhor exemplo de abstração natural na fotografia da história. Demonstra claramente o poder das formas naturais para estimular o pensamento, emoção e reflexão.

Nick Brandt.

Paul Nicklen.

Paul Nicklen, 2006.

Peter Dombrovskis, Tasmania, 1979.

Tom Mangelsen, Canadá, 1989. Dança Polar.

William Anders, dezembro de 1968. Quarenta e dois anos atrás, o mundo olhou para o céu para ter uma visão única do nosso planeta. Esta foto foi feita da Apollo 8. Era a primeira foto mostrando como é a Terra olhando-se do espaço. Sem duvida, essa foto mudou para sempre a perspectiva humana do nosso planeta.

David Muench, Illinois, 1985. Um nascer do sol de outono através da névoa e dos troncos das arvores.

Mitsuaki Iwago, Tanzania.

Robert Glenn Ketchum, 1998.

Jack Dykinga, Arizona, 1992.

Eliot Porter, New Hampshire, 07 de outubro de 1956.

Steve Winter, Junho de 2008.

Eliot Porter, Arizona, Maio de 1959. Aqui Porter isola um beija-flor em um close incrível.

Edward Weston, 1936.